Paginanovantasei

Ecco, come non detto

2011-11-28T11:22:00.001+01:00

Da ora in poi dovrei scrivere e aggiornare solo il nuovo blog, questo resta in standby perché non mi andava di perdere fino in fondo coerenza. E poi come grafica è meno figo, cosa si vuole di più? :-)

Chi non muore si rivede

2011-11-09T22:23:00.000+01:00

Vediamo di dare una spolverata a questo salottino... se no tanto vale cancellare tutto e amen.

Foto 2009/10

2010-12-11T15:39:00.000+01:00

"They say that there's a broken light for every heart on Broadway..."

2009-05-14T01:34:00.004+02:00

Citaz. (Rat-Man)

2009-01-23T21:58:00.003+01:00

GIORNALISTA:
"Crisi internazionale: continuano le manifestazioni a favore della pace. Il presidente, nel tradizionale discorso al paese, ha affermato che, prima di decidere per un intervento armato, terrà nella massima considerazione l'opinione pubblica. Vediamo il servizio."

PRESIDENTE:
"Miei cari amici! Giunti alla fine della guerra..."

"Scusate! Questo è il discorso dell'anno prossimo!"

Ten years gone...

2009-01-11T03:55:00.003+01:00

Citaz. (Big Fish)

2009-01-09T01:52:00.002+01:00

" . . . Dicono che quando uno incontra l'amore della sua vita il tempo si ferma.

Ed è vero.

Quello che non dicono è che quando il tempo si rimette in moto va a doppia velocità per recuperare . . . "

Romanzi a fumetti Bonelli: Gli occhi e il buio

2009-01-08T00:12:00.004+01:00

Con gli occhi e il buio ci troviamo di fronte qualcosa di completamente diverso rispetto al primo numero della collana. Stavolta l’autore è unico: Gigi Simeoni.

Questo secondo appuntamento con i Romanzi a fumetti Bonelli ci catapulta nella Milano di inizio ‘900 in un indagine che sa molto di Jack lo squartatore. Simeoni riesce a proporci una storia personale e originale, raccontata con naturalezza e un’apparente semplicità formale.

L’impostazione della griglia, il ritmo narrativo e la vicinanza mentale col protagonista seguono un climax che porta il lettore a divorare gli ultimi capitoli.

Lo stile classico (ad eccezione di qualche licenza grafica) con cui si apre il racconto fa lentamente spazio ad alcune scelte formali molto più ricercate per seguire lo stato psicologico del protagonista, che arrivano a spezzare l’empatia creata fino a un cambio netto del punto di vista del narratore (cambiare lo “sguardo” che filtra la storia non è una scelta casuale in un racconto di questo tipo).

Se la collana mantiene l’identità impressa da questo volume non ci resta che immaginare un futuro più roseo per il fumetto made in Italy.

Promosso a pieni voti dunque Gigi Simeoni e il suo personale thriller vittoriano: voto 8,5! ...e la speranza che in lavori futuri possa migliorare anche la caratterizzazione dell’ambiente (il capoluogo lombardo avrebbe meritato un ruolo più importante nella vicenda).

Romanzi a fumetti Bonelli: Dragonero

2009-01-07T02:08:00.003+01:00

Giugno 2007, tre giorni da eremita per studiare cinque materie per la terza prova, per fare qualche pausa dallo studio entro in edicola e prendo tre albi: due Preacher tascabili e Dragonero.

Tralasciamo i Preacher che meritano un discorso a parte e parliamo invece di Dragonero, scritto a quattro mani da Luca Enoch e Stefano Vietti, disegnato da Giuseppe Matteoni e primo numero dei Romanzi a fumetti Bonelli.

La nuova etichetta di Sergio Bonelli Editore propone romanzi autoconclusivi di circa trecento pagine, con una buona confezione a un prezzo molto accattivante, era inevitabile dar loro una possibilità.

Questi volumi saranno presentati con cadenza annuale e ospiteranno anche grandi nomi del fumetto italiano, attualmente sono ne sono stati pubblicati tre: Dragonero, Gli occhi e il buio e Sighma.

Dragonero racconta una storia fantasy, narrata in modo classico e che fatica a uscire dagli stereotipi del genere. Da sconsigliare a chiunque non sopporti orchi, avventurieri e maghi.

Per tutti gli altri invece il prodotto è parecchio interessante, il soggetto eccessivamente classico purtroppo limita molto le potenzialità del libro, la narrazione è molto scorrevole e tiene incollato il lettore fino alla conclusione della vicenda e la parte grafica è sublime, disegni curati, impostazione della tavole fuori dai soliti schemi bonelliani, ottimo storytelling, grande attenzione ai dettagli e efficace caratterizzazione dei protagonisti.

I lati negativi di un romanzo del genere sono da ricercare quasi esclusivamente nel genere scelto: temi già affrontati più o meno bene da un numero imprecisato di libri/film/fumetti e che quindi non stimolano a particolari riflessione e risvolti storici prevedibili e scontati.

Pregevole l’intera parte grafica, l’atmosfera creata e il ritmo narrativo che non annoia mai.

Fumetto da 6,5/7, proposto in una buona edizione a un ottimo prezzo. Soddisfatto dell’acquisto (che emozione trovare delle splash page in un fumetto Bonelli!).

centotrentatrè/fuoricinque

2008-11-18T14:10:00.001+01:00

centotrentatrè/nonriciclabile

2008-11-17T23:37:00.003+01:00

centotrentatrè/1

2008-11-09T11:59:00.004+01:00

L'emozione non ha voce

2008-10-29T23:56:00.002+01:00

Guardando il nuovo trailer di Watchmen mi è venuta spontanea una riflessione, so che sembra strana, ma può rendere l’idea di quello che provo di fronte a certe opere.

Dopo aver letto un fumetto splendido, dopo aver visto un film perfetto, dopo aver sfogliato l’ultima pagina di un libro carico di emozioni, dopo che l’ultima nota di una canzone magica ha smesso di riecheggiare nell’aria, dopo essere rimasto a guardare i titoli di coda di quella sequenza di bit che tanto mi hanno conquistato, sognando sulle note di un’inascoltabile midi ricordando i momenti più epici della propria avventura… è inevitabile sentirsi in paradiso. Anche se sommersi da mille problemi, davanti a certe cose non si può fuggire all’estasi che pervade il nostro animo. Questa sensazione può durare solo un secondo… o anche meno, a seconda del contesto, ma c’è! È questo che conta!

Quello che mi ha fatto riflettere è ciò che si sente dentro dopo tutto questo (anche un mese dopo, non ha importanza): può capitare di voler in qualche modo tornare indietro. Si pensa a quanto siano fortunate quelle persone che non hanno ancora visto il sorriso di Noodles… che non sono usciti spiazzati da quel luna park in grado di ispirare le avventure di un temibile pirata… che non hanno visto la macchia di ketchup su quella famosa maglietta… che credono che dietro alle maschere sia necessaria la presenza di un volto… che considerano il Grande Fratello solo una quotidiana spazzatura… che non credono che il paradiso sia solo lì al primo piano… che non pensano che il numero perfetto sia il sei… che ritengono che una colomba possa volare anche sotto una fitta pioggia notturna… che non vedono che muri fatti di mattoni… per questo e per molto altro è inevitabile invidiare almeno in parte chi sta scoprendo adesso certi capolavori… chi può apprezzare per la prima volta le bellissime opere create negli ultimi millenni.

Con questo discorso non voglio elogiare l’ignoranza, anzi, considero più vuote le vite di chi non sa apprezzare certe cose, ma un po’ invidio chi sta iniziando adesso a scoprire alcuni lavori tanto ben fatti da restare nell’anima del fruitore. La felicità e la soddisfazione ritornano a gran velocità guardando quanto c’è ancora da scoprire nonostante i pilastri in nostro possesso facciano ombra su gran parte della produzione odierna, ma quel breve attimo di invidia è basta a far riflettere sull’importanza di alcune opere imprescindibili, sul significato dei diversi percorsi, e a quanto sarebbe triste il mondo senza queste fantastiche condivisioni emotive.

Grazie Alan, Isaac, Keith, Ron, Sergio, e tutti coloro capaci di regalare momenti dall’incalcolabile valore, il viaggio continua.

;-)

L'Ammazzadraghi

2008-09-26T03:45:00.003+02:00

Immagino lo stupore da parte di chi conosce i miei gusti nel trovare in questo blog una recensione, per di più positiva, di un manga. Non significa che i miei gusti sono cambiati, tra un fumetto mediocre italiano, americano, francese e giapponese sarà quasi sempre quello nipponico ad avere la peggio, ma è una questione soggettiva, l’ho sempre ammesso. Cosa posso farci? Lo stile, i clichè, le situazioni e le tematiche offerte solitamente dai manga mi danno noia. Certo, ho sempre riconosciuto la presenza di eccezioni, non riferendomi esclusivamente ai classici Otomo, Nagai, Koike, Taniguchi, pur ammettendo di non sentirmi stimolato ad approfondire l’argomento.

In queste righe proverò a esporre le buone impressioni trasmessemi da Berserk di Kentaro Miura.

“È ridicolo… più lo capisco e più lo ammiro… ma adesso sono stufo di nutrirmi del suo sogno e guardarlo dal basso. Ora voglio raggiungerlo con qualcosa di mio.”

Gatsu

Innanzitutto è necessario premettere che la storia, a diciannove anni dalla prima uscita, non è ancora conclusa. Seconda caratteristica evidente è il cambio delle strutture narrative da prima a dopo l’eclissi.

Fin dalle prime pagine Miura ci presenta il guerriero nero freddo, risoluto, violento e tenebroso raccontandoci tramite un lunghissimo flashback le vicende che lo hanno trasformato da impavido bambino a “mostro” stermina apostoli.

Nel corso della prima parte Gatsu (il protagonista) affronta un percorso insidioso, imparando a lottare per gli ideali di Grifis (il perno dell’intera vicenda), ad amare i suoi compagni e a comprendere le proprie ambizioni. Il plot principale avanza rapidamente e i fatti raccontati modificano continuamente gli equilibri della squadra e approfondiscono i caratteri dei protagonisti, plasmando un’avventura corale a drammatica.
Fino a questo punto si ha una storia affascinante, ben raccontata (perdonando un iniziale smarrimento a livello di storytelling), piena di passione e violenza splatter (caratteristiche magnetiche per i giovani lettori e fondamentali per il successo dell’opera).

La narrazione di questi capitoli è piuttosto classica, l'universo circostante è ben abbozzato ma mai realmente protagonista o in grado di competere con le vicende interne della squadra dei falchi.

Eclissi. Gli equilibri si stravolgono, Grifis è sempre più un simbolo e Gatsu rappresenta la resistenza, la determinazione e la vendetta; la genesi del falco bianco e del guerriero nero è ora conclusa. Inizia la seconda parte.

Ci troviamo di fronte un ritmo narrativo ben diverso, più lento nello svolgere la trama principale, il nostro eroe adesso viaggia. Il mondo inizia ad essere protagonista, l’interesse ricade negli approfondimenti delle vicende personali delle comparse. Gente con cui Gatsu dovrà in qualche modo confrontarsi e che metteranno in luce alternativamente la sua umanità e la sua bestialità (caratteristiche portate all’estremo in diverse occasioni). Miura, nello scrivere queste pagine, si mostra più maturo e capace, sia nell’impostare la tavola sia nel proporre tematiche scottanti. Non è tutto oro quel che luccica ed è impossibile non notare che gli intrecci principali non si evolvono, si trascinano per mantenere il giusto equilibrio nel viaggio, durante il quale il guerriero nero si è costruito una nuova squadra che potrebbe rivelarsi un passaggio fondamentale nello sviluppo del personaggio.

Dopo circa seimilacinquecento tavole sarebbe auspicabile vedere qualche nodo venire al pettine e scoprire cosa il nostro protagonista ha appreso dal proprio vagabondare.

Complimenti a Miura che è riuscito a creare delle basi interessanti, sapendo coniugare alla caratteristica violenza la giusta dose di humor (pak!); l’autore è maturato assieme alla propria opera e ha saputo adattarla ai propri pensieri sui diversi aspetti della vita e della società, anche se queste divagazioni non sempre sono state in sintonia con i tempi del plot principale, per questo però è ancora presto. Restiamo con la speranza che il buon Kentaro abbia ancora molte cose interessanti da dire prima della tanto attesa conclusione.

Ringrazio Fabio per avermi prestato i venti volumi maximum per l'intera estate.

PS.Avevo in mente di approfondire le reazioni del mondo a contatto con alcuni ideali facendo un confronto con V for Vendetta. Idea rimandata a quando saranno più chiari alcuni obiettivi del manga di Miura, che offre una visione più complessa e sfaccettata della questione rispetto a quella (volutamente) fondamentalista proposta da Moore.

Corso di cinema 2008/09

2008-09-18T00:04:00.004+02:00

Questo post interesserà soltato i pochi eletti che hanno ricevuto l'ambitissimo invito.

Il 14 ottobre si aprirà ufficialmente il quarto anno del tradizionale corso di cinema, il tema di questa stagione sarà, come da pronostico, il cinema italiano.

Il corso è suddiviso in tre parti, ognuna dedicata a un preciso periodo della storia del cinema italiano e in particolare all'analisi di un regista che ne sia rappresentativo.

Neorealismo – Vittorio De Sica

Incontro 1 – L'età neorealista e il contributo particolare del Vittorio De Sica regista.

Incontro 2 – Segnali di stile: il racconto dell'Italia del dopoguerra.

Incontro 3 – Visione e commento del film "Ladri di biciclette" (1948).

L'età degli autori – Federico Fellini

Incontro 4 – Cosa rimane dopo il neorealismo: la grande stagione degli autori e il caso Fellini.

Incontro 5 – Segnali di stile: la memoria personale che diventa mitologia personale.

Incontro 6 – Visione e commento del film "8 e ½" (1963).

Il cinema popolare degli anni Sessanta – Sergio Leone

Incontro 7 – La produzione popolare italiana e l'affermazione dello spaghetti-western.

Incontro 8 – Segnali di stile: campi lunghi, dettagli e musica.

Incontro 9 – Visione e commento del film "C'era una volta il West" (1968).

I giorni nostri – Cena

Incontro 10 – Considerando eccessivo per una singola serata fare cena + visione e commento di C'era una volta il West (durata: 175'), si è deciso di aggiungere un ulteriore incontro più informale in cui discutere della situazione odierna, spostando la mangiata al decimo appuntamento.

Sperando di non aver deluso nessuno con questa scelta monografica attendo con impazienza quel primo martedì, il posto e l'ora rimangono gli stessi degli anni passati.

Mi aspetto grande entusiasmo dalla mia squadra, non facciamoci mettere in ombra dagli "esperti".

Basta reunion

2008-09-17T01:00:00.008+02:00

Il 15 settebre i Pink Floyd hanno perso uno dei quattro componenti del gruppo: Richard Wright.

Anche se il tastierista della storica band è stato spesso oscurato dal carisma di Gilmour e Waters dobbiamo a lui alcune delle tracce più efficaci.

Wright è accreditato come co-autore o autore unico dei seguenti brani (considerando esclusivamente il lavoro svolto con i Floyd):
Pow R. Toc H. (1967)
Interstellar Overdrive (1967)
Paintbox (1967 autore unico Richard Wright)
It Would Be So Nice (1967 autore unico Richard Wright)
Careful With That Axe, Eugene (1968)
Remember A Day (1968 autore unico Richard Wright)
See-Saw (1968 autore unico Richard Wright)
A Saucerful of Secrets- suite (1968)
Up the Khyber (1968)
Party Sequence (1968)
Main Theme (1968)
Ibiza Bar (1968)
More Blues (1968)
Quicksilver (1968)
Dramatic Theme (1968)
Sysyphus (1969 autore unico Richard Wright)
Atom Heart Mother - suite (1970)
Summer '68 (1970 autore unico Richard Wright)
Alan's Psychedelic Breakfast (1970)
Heart Beat, Pig Meat (1971)
Crumbling Land (1971)
Come in #51, Your Time Is Up (1971)
Country Song (1971)
Unknown Song (1971)
Love Scene (1971)
Violent Sequence (1971)
One of These Days (1971)
Seamus (1971)
Echoes (1971)
When You're In (1972)
Burning Bridges (1972)
Mudmen (1972)
Stay (1972)
Absolutely Curtains (1972)
Breathe (1973)
Time (1973)
The Great Gig In The Sky (1973 autore unico Richard Wright)
Us and Them (1973)
Shine On You Crazy Diamond (1975)
Cluster One (1994)
What Do You Want From Me (1994)
Marooned (1994)
Wearing the Inside Out (1994)
Keep Talking (1994)

Non c'è modo migliore per ricordare un grande gruppo, morto ufficialmente due giorni fa, che riascoltando la canzone dedicata all'ex leader della band: Syd Barret, impazzito pochi anni dopo la fondazione dei Pink Floyd.

Shine on you crazy diamond in tutto il suo splendore!

(il primo video contiene le parti I, II e III, il secondo le parti IV e V, il terzo le parti VI e VII, il quarto le parti VIII e IX).

La fine ufficiale dei Pink Floyd è l'ennesima conferma che un certo tipo di musica sta scomparendo. Senza lasciare eredi.

Ci mancherete.

Polimi, I love you

2008-09-16T02:20:00.003+02:00

Terminati gli esami del primo anno mi viene da sorridere a guardare questa immagine: perfino un genio come Carl Barks si mostra sensibile ai problemi di noi studenti.

Possibile che le mancanze organizzative di un'università come il politecnico di Milano, che dovrebbe essere la migliore scuola tecnica in Italia, non vengano trattate con le giuste attenzioni?
I problemi sono molti e non mi riferisco solo alle numerose inadeguatezze logistiche; i rappresentanti degli studenti vivono in un sistema ancora più ridicolo di quello della scuola superiore. Se non fosse per quei pochi professori che davvero credono nel proprio lavoro e in noi certi corsi sarebbero allo sbando.
Orari, date, eventi, scelte di tempo alquanto imbarazzanti. Nonostante tutto la scuola mantiene la sua fama crogiolandosi della propria eccellenza. Non cambierà mai niente ma un'ottimizzazione delle risorse porterebbe a traguardi migliori.

Per fortuna che il corso di cinema sarà organizzato come si deve! Nei prossimi giorni sarà online il calendario ufficiale per la felicità della ristretta elite che potrà goderne.

Good Night.

Non ho occhi che per te

2008-09-02T12:00:00.003+02:00

Shocking Futures

2008-08-25T03:19:00.001+02:00

Ho da poco terminato di leggere i Futuri incredibili di Alan Moore, avvicinandomi alla conclusione del percorso che mi permetterà di avere una panoramica completa sui lavori di uno dei miei scrittori preferiti.

In questo volume ci vengono presentate decine di storie brevi pubblicate originariamente su 2000 A.D. (per questo sono tutte a sfondo fantascientifico) ed è il Moore degli esordi a raccontarcele, il Moore ancora impacciato col media e con più sogni che certezze. Dopo queste pagine il bardo di Northampton scriverà V for Vendetta per la rivista Warrior e inizierà la sua scalata in DC Comics.

Il libro lo possiamo considerare la sua palestra e ci troviamo di fronte una raccolta di idee e di spunti mai banali o scontati; la qualità dei racconti è spesso elevata e le tematiche socio-politiche che hanno fatto da protagoniste durante tutta la prima parte della carriera dello scrittore sono ben presenti.
Per essere un sognatore Alan dimostra uno spiccato senso del grottesco, trovando il lato negativo anche in situazioni di ordinaria follia.

L’intero ciclo di storie è molto interessante perché riesce a evidenziare le critiche sociali mosse dallo scrittore in poche pagine, oltre ai contenuti non si può non restare affascinati anche dal punto vista formale che, seppur lontano dalle vette raggiunte con i suoi ben più celebri lavori, mostra le eccellenti capacità narrative di Moore.

La raccolta è un must per ogni fan dell’autore e dovrebbe incuriosire chiunque sia interessato al buon fumetto: coerenza, brillantezza, cattiveria e originalità sono gli ingredienti dell’ottimo volume (pubblicato in Italia a marzo 2008 dalla Magic Press).

La lettura del libro mi ha fatto riflettere sull’importanza delle riviste underground (Mad, Metal Hurlant, Linus, 2000 A.D.) per il mondo dei fumetti. Sicuramente ci ragionerò sopra e ne scriverò a proposito. Non sarebbe un discorso banale. Coming soon.

Summer! (2)

2008-08-18T02:59:00.005+02:00

Hellboy II: the golden army. Le aspettative sono alle stelle. La prima trasposizione cinematografica del demone rosso aveva fatto centro: non aveva cercato di vendersi come kolossal e nel suo piccolo era riuscita a dimostrare una notevole precisione in sceneggiatura e nella costruzione dei personaggi, pagando qualcosa nell’epicità del racconto, senza però deludere gli appassionati (pur discostandosi molto dall’opera di Mignola).
Questo secondo episodio promette altrettanto fascino, con una maggiore spinta verso il fantasy, paesaggi magici e meno claustrofobici, più spettacolarità e nuovi arrivi in squadra, missione riuscita? Quasi del tutto, Del Toro non ha deluso neanche stavolta.
La trama riesce a reggersi da sola, senza poggiare sul continuo evolversi dei rapporti tra i protagonisti, perdendo in parte quella precisione negli sviluppi che caratterizzava il precedente capitolo ma guadagnando in grandezza e sfarzosità. Il nuovo arrivato si integra benissimo nell’intricato meccanismo che regola i rapporti tra i membri del team e regala soddisfazioni inaspettate, per contro non si può non notare la totale mancanza dell’agente che nel primo film ci aveva introdotto nel mondo di Mignola, sarebbe stato interessante ritrovarlo. E il resto? Funziona tutto molto bene e il risultato è ottimo sotto quasi tutti i punti di vista. Da incorniciare la battuta sul tumore e il duetto con birra tra Hellboy e Abe.
Una riuscita evoluzione di quanto di buono si è potuto apprezzare nel primo lungometraggio, nonostante la perdita di alcuni eccellenti espedienti narrativi questo secondo episodio riesce a soddisfare appieno le aspettative, regalandoci una trama più solida e un ambiente più vivo, oltre ai soliti personaggi caratterizzati alla perfezione. Promosso senza riserve.

Martin Scorsese. The Rolling Stones. Cinema. Musica. Rock ‘n’ Roll! Gli ingredienti per qualcosa di interessante ci sono tutti. Niente stadi, niente prati. Siamo al cinema. Portiamo lo spettatore a teatro!
Benvenuti nel Beacon Theater di New York, ecco a voi Mike Jagger, Keith Richards, Charlie Watts e Ron Wood.
Cosa non ha funzionato? Prima di tutto Scorsese non ha voluto fare un film, voleva portare la musica nelle sale, lo spirito degli Stones, niente film, niente storia, solo un concerto e poco altro. E questo “poco altro” è il primo dei difetti; approfondimenti brevi, flash di quarantacinque anni di storia che poco raccontano a chi non conosce il gruppo, una scelta comunque che si poteva salvare, se questi flash fossero stati in numero maggiore sarebbe potuto uscirne un affresco molto interessante. Ora passiamo al concerto, vero fulcro della pellicola, Martin ha sacrificato il resto in favore della musica, questa parte deve essere perfetta. Già la scelta del teatro è discutibile (lo stesso anno gli Stones avevano fatto un concerto da due milioni di spettatori sulla spiaggia di Copacabana, un’altra atmosfera) ma può essere giustificata dal parallelismo teatro/sala cinematografica, la regia è ottima, attenta sia ai dettagli sia allo spettacolo nel suo insieme (anche se la telecamera nella batteria resta una buona idea inutilizzata), bello il backstage e magistrale l’uscita. Paradossalmente ho da ridire sul contenuto, la scaletta, sono state montate insieme più serate e l’esclusione di alcuni classici lascia un po’ l’amaro in bocca.
A me è piaciuto molto, ma è un prodotto che nulla ha a che fare con il cinema tradizionale, gli approfondimenti sono un pretesto, Scorsese vuole raccontarci la musica e lo fa nel modo più diretto possibile: mostrandoci Jagger e soci saltare sul palco come ventenni. Shine a light è una pellicola rivolta agli amanti del gruppo e del rock in generale, chiunque altro si annoierebbe. Gran bel concerto ma troppo poco film per giustificare alcune scelte. Un ottimo omaggio al gruppo, anche se i Rolling Stones possono offrire molto di più di quello che Scorsese ha scelto di mostrarci.

Dopo Burton e Schumacher anche Nolan arriva a fare il suo secondo film sull’uomo pipistrello. A tre anni dal successo di Batman Begins Bale torna a indossare l’oscuro mantello e a fronteggiarlo trova il più classico dei batnemici: il joker! Nonostante il parere generale ritengo che il primo capitolo sia sopravvalutato, le idee buone non sempre erano state realizzate con efficacia e il regista ha mostrato alcune debolezze nelle scene d’azione, ma non è questo il momento per approfondire l’argomento. Con il Cavaliere oscuro vediamo come Nolan supera la maggior parte degli imbarazzi mostrati nel precedente capitolo e riesce ad offrirci uno spettacolo che in due ore e mezza non annoia mai. Il protagonista assoluto della pellicola è il defunto Ledger (qui nel suo penultimo film) che ci offre un’interpretazione di grande impatto emotivo, superiore forse a quella “storica” di Jack Nicholson.
Alleggerita dal “peso” delle origini la trama si può articolare con più naturalezza e la sceneggiatura riesce a dare il meglio di sé. In un film tanto grandioso è brutto parlare dei difetti che, anche se presenti, passano in secondo piano. Il primo da segnalare è qualche squilibrio in sceneggiatura, spesso il regista si dimentica che sta facendo un film su batman, non sul joker, anche se questa scelta ci permette di apprezzare al meglio le sfaccettature del “nuovo” antagonista; sempre la sceneggiatura mostra alcuni buchi quando utilizza strumenti tecnologicamente avanzati e si trascina un po’ nella parte finale, che avrebbe meritato una maggiore profondità. Ultima nota negativa: Gotham non è New York, per tutta la durata del film il carattere della città passa in secondo piano, perdendo alcune interessanti sfaccettature.
Aldilà di questi dettagli il sesto batmovie vince e conquista lo spettatore, divertendolo, confondendolo e facendolo riflettere. Nella mia personale batclassifica il Cavaliere oscuro occupa il secondo posto, dietro solo a Batman returns di Burton.

Summer! (1)

2008-08-11T02:57:00.005+02:00

Breve pausa dagli impegni estivi per fare il punto sugli ultimi appuntamenti cinematografici della stagione.

Il gruppo si è notevolmente allargato e al posto di una ragazza poco interessata abbiamo acquistato una legione di gente del nord.

Questo mese e mezzo è iniziato con E venne il giorno e proseguito poi con Shine a light, L’incredibile Hulk, Wanted, Hellboy II fino a concludersi col Cavaliere oscuro!

Partiamo dalle conclusioni: tre promossi (E venne il giorno, Hellboy II e Batman) e tre rimandati (Hulk, Wanted e Shine a light).

Il film si Shyamalan ha ricevuto moltissime critiche, in linea con i suoi ultimi lavori, a mio parere esagerate.
E venne il giorno è affascinante, ha una bella atmosfera e prova a giocare con lo spettatore, che non sempre gradisce.
Il soggetto è semplice anche se non troppo brillante, la sceneggiatura prosegue lenta e a volte si perde, ma la messa in scena riesce a catturare.
Il regista indiano dimostra ancora una volta una grande consapevolezza dei suoi mezzi. In quest’occasione ci offre un b-movie di classe, ne sfrutta i clichè e ci gioca. Quando c’è da tenere alta la tensione lo fa senza fallire, anche di fronte a una sceneggiatura poco accattivante.
Il film ne risulta molto gradevole e a tratti spiazzante. M. Night ha uno stile classico ma inconfondibile, uno dei pochi registi “nuovi” in grado di far riconoscere la propria mano in ogni suo lavoro senza deludere. E venne il giorno non verrà ricordato negli anni come Il sesto senso, ma riesce a far passare due ore molto piacevoli a uno spettatore curioso e preparato. Le incongruenze non mancano, il grottesco non si nasconde, Shyamalan ne è consapevole ed esibisce orgoglioso certi difetti, speranzoso che lo spettatore ne comprenda il significato! Ormai l’indiano non stupisce più. Garanzia di qualità, anche stavolta non delude.

Incredibile Hulk! Dopo il flop del primo capitolo il cast e tutti gli addetti ai lavori vengono cambiati. Hulk non ha bisogno di psicologia. Hulk spacca. E basta. Il precedente film non riusciva a mostrare la vera natura del mostro verde, troppo ambizioso e mal equilibrato, fallendo sia a livello di incassi che di critica. Questa volta le ambizioni crollano, action movie puro, trama esigua e caratterizzazioni fin troppo sottili.
Il primo l’ho in parte apprezzato perché ha puntato in alto, il regista ha sbagliato ma almeno ci ha provato, non è tutto da buttare (interessanti gli splitscreen ma orribili certe scelte, lo scavalcamento di campo su tutte).
Nel secondo invece non si sbaglia niente. Premesse mantenute. Una sceneggiatura più debole anche di quella di Iron Man. Un buon Norton che non riesce a caricarsi il peso dell’intera pellicola sulle sue spalle. E botte, tante botte!
Non mi ha deluso. Mi ha lasciato poco. Tutto qua. Hulk spacca. Bruce scappa. Non serve nient’altro. E’ molto vicino all’idea originale e per questo non riesce a stupire. E queste erano le sue intenzioni.
Fortunatamente la comparsa di Iron Man fa capire quanto il prodotto possa ben funzionare come prologo ai futuri progetti dei Marvel Studios, incastrandosi con personalità nel mosaico cinematografico offertoci dalla casa delle idee. In quest’ottica il film guadagna punti e riacquista significato.

Direttamente dalla graphic novel (di questi tempi solo i barbari li chiamano ancora fumetti) di Mark Millar e J. G. Jones ecco arrivare Wanted!
La prima cosa da dire è che la pellicola non centra niente con le pagine da cui è tratto. La sceneggiatura è stata scritta quando ancora erano stati solo i primi numeri della miniserie e si vede. L’idea centrale comunque c’è e viene resa piuttosto bene, così come il finale provocatorio.
Il lungometraggio è visivamente eccelso, dettagli precisi, tamarro più di 300, ottimi effetti sonori e una regia sempre attenta ad enfatizzare l’azione. Ottimo film d’azione quindi? No, a qualcuno è venuta in mente una delle peggiori idee degli ultimi vent’anni: il telaio del fato. L’intera vicenda ruota intorno a questo oggetto, non ci vengono spiegati i dettagli e il suo preciso funzionamento, oltre che distruggere il concetto di superiorità della fratellanza. Ogni volta che si parla del telaio spuntano buchi narrativi ad un ritmo impressionante. Probabilmente non l’avrò preso bene io, non è un film ambizioso, certe cose andrebbero perdonate, ma scelte del genere… bhè… rovinano la magia del film. Peccato. Attori cambiati? Perdonato. Niente supercriminali? Perdonato. Niente violenza gratuita? Perdonato a metà. Vicenda stravolta rispetto all’originale? Perdonato. Telaio in grado di far impallidire quello di Loom? Decisamente fuori luogo. E sì che le potenzialità per qualcosa di discreto c’erano. Andrà meglio alla prossima dai! Bisogna dire che anche il fumetto da cui è tratto non è un capolavoro…

E Batman, Hellboy e Rolling Stones? Coming soon…

Paginauno

2008-07-21T04:55:00.011+02:00

Ok, adesso riprenderò ufficialmente a scrivere regolarmente su queste pagine. Prima però mi tocca fare qualcosa che non avrei mai voluto: inquinare con vicende personali il caro blog. Devo trovare una scusa per il mese di assenza.

Inizio col dare una mano a chi l’inglese lo mastica poco traducendo la citazione da “Sogno di una notte di mezza estate” di Shakespeare, la frase che fa da sottotitolo al blog:

“Mai occhio umano ha udito,
né orecchio umano ha visto,
né mano mai gustato,
né lingua concepito,
né cuore raccontato
qualcosa di simile al mio sogno.”

Come il 90% di quello che ho scritto in questi mesi è strettamente autoreferenziale. Ci sono cose che posso capire solo io e che quindi non dovrei mettere, ma mi diverto a farlo; probabilmente qualcuno di voi è riuscito a cogliere qualche passaggio nascosto… se così è stato, complimenti. Potrei scrivere svariate pagine sulle citazioni, i rimandi, i collegamenti, le motivazioni che stanno dietro anche solo all’immagine su in alto, ma finirei per essere solo noioso. Meglio evitare quindi, e crogiolarsi nell’autocompiacimento.

A questo punto la domanda è ovvia: perché queste righe? Una cosa alla volta… e tranquilli, non ho intenzione di raccontare i motivi che mi hanno spinto a scrivere delle mie passioni, ne di esporre un manifesto programmatico, niente vincoli, niente ricordi e niente progetti.

Con queste parole ho solo intenzione di giustificare la mia assenza e il mio periodo “pericoloso”, non solo per me, ma soprattutto per chi mi sta vicino.

Durante le ultime settimane non solo sono stato tradito e abbandonato dalla ragazza che amo, che mi ha distrutto più per il come che per il fatto in sé, sono a pezzi, ma queste cose non mi piegano… non solo mi sono bruciato gli esami più importanti dell’anno… non solo ho fatto impazzire amici/amiche/parenti con alti e bassi fuori controllo… non solo ho scroccato due giorni alla povera Camy, che mi ha sopportato nonostante fossi particolarmente noioso, e con la quale ho vissuto un concerto in grado di risvegliare emozioni che non provavo da tempo… non solo ho abbandonato i teenagers in auto, da solo, incolonnato in centro a Lodi causa ritardo dell’eurostar… ho avuto soprattutto tempo per riflettere, tanto tempo, tante riflessioni.

Le domande sono state tante, le risposte anche di più, le variabili in gioco sono infinite ma la vita è una sola. Ho rimesso in discussione tutti i miei progetti a lungo termine, ma il quesito più ricorrente però è stato: a vent’anni vale la pena accettare a forza compromessi per tirare avanti alla meno peggio o sarebbe meglio, magari facendosi ciclicamente del male, lottare e combattere per quello in cui si crede veramente? Per quei valori che non possono essere messi in discussione, per chi o per cosa si ama… vale la pena soffrire o risulterebbe meglio fare i brillanti per uscire dalle difficoltà?

Certo, chi mi conosce davvero, chi ha visto in me anche quel centimetro che nessuno ci potrà mai rubare (mi riperdo nell’autoreferenzialità, per la cronaca, riferimento a V for Vendetta lettera di Valerie), sa già la risposta. Ho parlato di tutto con tutti in questi giorni, ho avuto tanti consigli, punti di vista differenti, tutti importanti, ne tengo conto, ma tanto lo sapete, farò a modo mio, come al solito, sbagliando ma credendo fino in fondo in quello che faccio.

Sono d’accordo con quel mio amico (…) che sostiene che una vita senza interessi/passioni sia una vita inutile, piatta, vuota, indipendentemente dal successo.

L’importante è vivere! Vivere a fondo e appieno il tempo che scorre! Questo non vuol dire fare i romantici (non nel senso amoroso, bensì nella sua più classica accezione culturale), non significa abbandonare la razionalità e andare apposta a sbattere contro i muri più insuperabili! Non si può perdere la ragione! Certo che bisogna valutare attentamente le proprie scelte! Altrimenti si vive una vita stupida, non ricca. Il difficile è non perdersi, non superare quella linea che ci allontana definitivamente dai nostri sogni, dai valori che ci danno la forza per affrontare anche le maggiori difficoltà, senza arrenderci e senza scappare, guardarsi indietro e vedere i rimpianti, le occasioni sprecate… non occorre a nessuno. Non voglio fare un inno all’autolesionismo per carità! A tutto c’è un limite! Ma il poter dire “ci ho provato, ci ho provato con tutto me stesso” serve. Permette di andare in giro a testa alta. Sempre.

Ed io in questi giorni sto lottando per questo. Non per recuperare ciò che ormai appartiene al passato, ma per ricordare a una persona confusa ciò che le da forza! Quello che la rende una persona speciale, magnifica. Sono ottimista, sempre, ma la sconfitta è quasi assicurata. Questo non significa che non farò alcuni sacrifici, anche importanti. E non mi chiedo se ne vale la pena. So che è così. Perché pensarmi a ricordare questi momenti, e vedere che sono scappato, che non ci ho neppure provato, mi logorerebbe fino a star male. Non lo faccio solo per altruismo, neanche solo per egoismo. Lo faccio perché credo sia giusto. A prescindere. Non voglio mettere tutto il resto in secondo piano ma è normale che mille pensieri si perdano e si confondano nella mia testa… ecco il motivo della mia assenza. Ora la battaglia non è finita. Non so quando questo succederà, ma almeno ho recuperato un minimo di concentrazione per scrivere qualche riflessioni su quello che vedo/leggo/ascolto.

Concludo ringraziando quelle persone che hanno passato notti insonni ad ascoltare masturbazioni mentali senza capo ne coda. Mi sa che stavolta sono in debito con qualcuno.

A questo punto avrete già tutti abbandonato la lettura per dedicarvi a qualcosa di più costruttivo. Eh eh, niente di più giusto! Cosa c’è di più noioso della mia prosa?

Ora vado a dormire, buona giornata a chi è riuscito ad arrivare fino in fondo.

PS.Dopo questo credo sia più chiaro il significato del sottotitolo.

Quando piove, diluvia

2008-07-08T13:40:00.009+02:00

“[...] All those... moments will be lost in time, like tears... in the rain. Time to die.”

Roy Batty

Che dire... Non me l'aspettavo. Già da qualche giorno non riesco a mettere due parole in fila per questo blog. Troppi casini. Sto perdendo le certezze. Ho molti post salvati a metà nei documenti... Spero di poter tornare attivo nei prossimi giorni/settimane, per adesso stacco. Devo recupare la cosa più importante della mia vita. Chi l'avrebbe mai detto che sarebbe finita così... ahah! Adesso, caro Fede, usa la Forza! Se non si lotta per quello che si ama per cosa lo si fa?

Ringrazio tutte quelle persone che mi sono state vicine. Dai però, non deve essere niente di così tragico! Sto reagendo male. Tornerò più forte di prima. Eheh. Nessuno si salverà.

Spero che tutto si dimostri esagerato e di poter tornare me stesso già nei prossimi giorni.

A presto.

Federico.

PS.Il blog potrà comunque presentare novità offerta da Cristian. ;-)

Dojo Kun

2008-07-03T02:19:00.004+02:00

hitotsu, jinkaku kansei ni tsutomuru koto (migliora il carattere)

hitotsu, makoto no michi wo mamoru koto (via di sincerità)

hitotsu, doryōku no seishin wo yashinau koto (rafforza la costanza dello spirito)

hitotsu, reigi wo omonzuru koto (rispetto universale)

hitotsu, kekki no yū wo imashimuru koto (autocontrollo)

Ci sono fin troppi momenti che fanno dimenticare certe cose. E adesso, si ricomincia!

Flame on!

2008-06-26T01:02:00.005+02:00

La voce del fuoco… Ah… La pessima grafica di questo blog deve molto a questo libro… Un libro strano tra l’altro.

“Opens I mouth, for make noise in I’s hurt, and say off ire is come through I, and rise, and rise, with grits of bright, in neath of old black sky.”

Chapter one: Hob’s Hog. 4000 BC

Il primo romanzo di Alan Moore è stato pubblicato originariamente nel 1996, nove anni dopo ancora non era disponibile una versione tradotta del libro, per questo mi convinsi a prenderlo in lingua originale. Non l’avessi mai fatto; Moore è un pazzo e ha scritto qualcosa di illeggibile anche con un dizionario a fianco. E ci ho provato, lo giuro!

Lo scorso anno le edizioni BD hanno fatto il grande passo: traduzione e pubblicazione in Italia del testo. Questa “svolta” editoriale mi ha permesso di avanzare nella lettura e di capire meglio le intenzioni del mago inglese.

Alan Moore (per chi non lo sapesse è il miglior scrittore di fumetti di sempre, autore tra le altre cose di V for Vendetta, Watchmen, From Hell e Promethea) ambienta l’intera vicenda a Northampton, la sua città. Questa scelta comporta una particolare strutturazione del romanzo, suddiviso in racconti ambientati in epoche diverse (collegati tra loro da una serie di elementi ricorrenti), e si pone l’obiettivo di dimostrare che ogni metro quadro, anche il più sperduto, nel corso dei secoli ha accumulato fatti (o leggende) che meritano di essere raccontati. Gran parte dei capitoli del libro sono frutto dell’immaginazione dell’autore, che si apre al lettore per mostrare la natura magica del luogo giocando sul labile confine che separa il reale dal mito.

Basta uno sguardo alle pagine iniziali per incontrare il primo ostacolo: ci troviamo di fronte a un racconto narrato in prima persona da uno stupido preistorico, con la grammatica contestualizzata, cioè inesistente, poche parole e concetti espressi per associazione, non basta qualche riga (abbinata ad un notevole sforzo) per abituarsi allo stile. Le tecniche narrative si evolvono lungo i secoli, passando per l’allegorismo medievale per terminare con una scrittura contemporanea (sarà la voce dell’autore ad accompagnarci nelle ultime pagine). Da questo punto di vista Alan riesce a raggiungere virtuosismi formali di pregevole fattura, indebolendo però la scorrevolezza della narrazione.

Nonostante alcuni capitoli risultino essere molto brevi, i personaggi presentati riescono sempre a conquistarsi la pietà del lettore (e ne hanno bisogno, data la triste natura degli eventi narrati) e ogni periodo storico riesce a dominare sui protagonisti (fulminanti le dieci pagine dedicate all’impero romano, molto efficaci).

Il libro è senza dubbio impegnativo, denso e pieno di follia (a partire dall’atipico cast utilizzato). Moore non ha voluto risparmiarsi per il suo esordio tra i grandi, risultando a tratti eccessivamente barocco e macchinoso. Il ritmo lento e struggente dello scorrere delle pagine porta inevitabilmente alle conclusioni finali dell’autore stesso, che ci racconta l’attuale stato della città e ciò che è rimasto degli antichi misteri.

Con questo romanzo Moore non solo ci regala un viaggio magico, ma racconta se stesso: ci descrive i suoi luoghi, il suo borgo, le sue emozioni, le sue fantasie, i suoi sogni e il mondo (immateriale) che lo circonda.

Dal 1994 Alan si professa mago. Questo libro può introdurre al misterioso universo che sente suo, risultando scorrevole anche per chi (come me) è in grado di cogliere solo una piccola parte del significato dell’opera (scritta con un simbolismo estremo).

I difetti non mancano, spesso la narrazione si fa pesante e non sempre Moore raggiunge un’adeguata efficacia anche per i più bassi livelli di interpretazione (ma almeno ci sono, a differenza di altri suoi scritti in prosa).

Mi sento di consigliare questo libro ad ogni fan dell’autore e a chiunque non abbia paura di affrontare il metaforico viaggio (con ostacoli e delusioni annesse) proposto dal barbuto inglese.

Citaz. (Donnie Darko)

2008-06-25T01:57:00.006+02:00

"Birra e fica! …Io non chiedo altro!"

"Dobbiamo solo trovarci una Puffetta per uno!"

"Puffetta?"

"U-hu!...Una che te la dia! Qui a Middlesex, sono tutte suore! …Ci vuole una bella biondina che allarghi le gambe ai tuoi ordini! Come fa Puffetta!"

"Puffetta, non scopa!"

"E' una cazzata! Puffetta si scopa tutti i Puffi! Grande Puffo, l'ha creata apposta!... Stavano sempre a canna dritta gli altri Puffi!"

"No, tutti tranne Vanitoso, che è omosessuale!"

"D'accordo, sai che ti dico? Lei se li scopa, mentre Vanitoso guarda,… contento?"

"Sì, ma Grande Puffo? Anche lui si butta nel mucchio oppure…"

"Lui, sai che fa?… Riprende tutte le ammucchiate, poi in privato… le rivede e si ammazza di seghe!"

"Prima di tutto a creare Puffetta non è stato Grande Puffo, ma Gargamella, che la mandò dai Puffi come sua spia avendo l'intenzione di distruggere il villaggio, ma la contagiosa allegria della vita dei Puffi la trasformò per sempre! Quanto all'ammucchiata da voi descritta è irrealizzabile! I Puffi sono asessuati, non hanno nessun organo riproduttivo, sotto quei pantaloni bianchi! Per questo, è illogica, no,…la felicità dei Puffi! … Che cazzo vivi a fare se non hai il pisello?"

Profondo blu

2008-06-24T02:26:00.008+02:00

E' arrivato il turno di Aquaria! Non posso passare per quello che ignora il panorama indie e questo gioco è stata una piacevole sorpresa.

Uscito di nascosto ormai da qualche mese, Aquaria è un gioco affascinante, in grado di far funzionare ancora molto bene delle meccaniche risalenti a qualche generazione fa.

La protagonista dell’avventura è Naija, un’abitante del mare che ha perso la memoria; la ricerca dei suoi compagni e familiari la farà viaggiare in suggestive locations, all’interno delle quali scopriremo antiche civiltà, incontreremo i mostri che le abitano e saltuariamente vedremo riaffiorare i ricordi del nostro alter ego virtuale.

Il mondo da esplorare è interamente in due dimensioni e il gameplay ricorda quello dei classici metroid/castlevania (con evidenti richiami al sempre verde loom). La nostra eroina acquisirà nuove abilità nel corso dell’avventura e gli strumenti (armi) a sua disposizione saranno soprattutto il canto e la cucina (per poter attaccare con sfere infuocate deve trasformarsi, evento meno comune di quanto ci si immagini).

Tecnicamente sia i fondali sia la fauna marina sono ben curati e gli oggetti presenti nei vari stages si integrano efficacemente con l’ambiente; il peggior risultato dal punto di vista grafico è, paradossalmente, quello ottenuto con la protagonista: animazioni fluide e perfette per ogni movimento tranne uno, il girarsi da destra a sinistra (e viceversa), mancano proprio gli sprites per questa azione e ogni volta che si passa il mouse da un angolo all’altro dello schermo si vede Naija “scattare” dall’altro lato, senza alcuna movenza intermedia.
Altro difetto sono le musiche: belle, evocative, ma mortalmente ripetitive. È naturale come cosa, stiamo parlando di un prodotto indipendente, team ridottissimo e budget ridicolo (tanta tanta passione però), anche se qualche giorno in più passato ad ottimizzare questi dettagli avrebbe giovato al prodotto finale.

Il ritmo del gioco è lento, inizialmente sembra non riuscire a ingranare, ma proseguendo l’azione aumenta costantemente, regalandoci momenti frenetici. La direzione scelta è giusta. Questo gioco non può correre. È stato fatto per rilassare, per esplorare un mondo magico, per godersi l’armonia dell’ambiente e dei gesti della tenera Naija.

Non posso che promuovere il prodotto. La scena indie sta sfornando piccoli capolavori in serie, meriterebbe una maggiore attenzione da parte dei media del settore.

Per completezza mi sembra giusto lasciarvi l'intrigante trailer di Aquaria:

;-)

Per qualche volpe in più

2008-06-18T12:39:00.003+02:00

52

2008-06-17T18:58:00.004+02:00

"La pazienza ha un limite, Pazienza no."

Andrea Pazienza

Vent'anni e un giorno fa moriva a Montepulciano Andrea Paziena. Aveva trentadue anni.

Il paz è stato uno dei più celebri fumettisti italiani, grande personalità e immensa creatività. Molti lo considerano un genio, forse lo era, ma come fumettista non è mai riuscito a maturare completamente anche se, col passare degli anni, probabilmente ce l'avrebbe fatta a entrare nel circolo dei migliori.

Il paz è stato un grandissimo illustratore. Nel corso della sua breve carriera ha utilizzato le più svariate tecniche pittoriche e sembre riuscendo ad ottenere eccellenti risultati. I suoi disegni sono stati utilizzati per opere di ogni tipo (grande amico di Fellini e Benigni, saltuariamente ha lavorato anche con loro).

Il paz è stato un personaggio atipico nel panorama italiano. Col suo carattere riusciva sempre a distinguersi. Aveva una talento fuori dal comune, le potenzialità erano enormi, viveva uno stato di perenne creatività. Può essere che fosse il migliore, non lo sapremo mai. Poteva gestirsi meglio. Peccato.

I suoi fumetti e i suoi dipinti/disegni sono l'apoteosi dell'autorefenzialità, tanto da essere così intimi che possono colpire il lettore da dentro. Le sue capacità artistiche erano quanto di più perfetto ci si potesse immaginare, l'esatto opposto delle sue doti narrative che, invece, hanno sempre lasciato a desiderare.

Le sue opere sono qualcosa di irrazionale, ha portato all'estremo le caratteristiche formali introdotte da Moebius dieci anni prima, ha creato personaggi provocatori e non si è lasciato fermare da nessun tema scottante avesse per la testa. Psichedelico.

Nonostante non sia mai riuscito a convincermi del proprio valore (le sue qualità sono comunque indiscutibili) e abbia sempre pensato che fosse sopravvalutato, credo che il mondo artistico (e non solo) italiano avrebbe molto bisogno di gente come Andrea.

Concludo segnalando una serie di video a tema messi a disposizione su repubblica.it per l'occasione.

Pillole di cinema (3)

2008-06-15T13:59:00.001+02:00

Hellboy:
Premettendo che le tecniche narrative utilizzate dal buon Mignola nei suoi fumetti non sono mai riuscite a catturarmi, riconosco che il soggetto mi ha da sempre incuriosito. Con questo spirito mi sono avvicinato al lavoro di Guillermo Del Toro ispirato a quei racconti. Il risultato mi ha soddisfatto. E molto. I temi sono stati approfonditi meno e la trama non sfugge ad una linearità forse necessaria, lo riconosco, ma è un film d’azione e non può rischiare di perdere ritmo ricamandosi addosso tematiche impegnative.
I personaggi trasudano carisma, hanno una loro vita, non solo uno scopo narrativo e ognuno compie un percorso che segue con precisione i tempi dei risvolti narrativi, la storia è piuttosto scontata ma interessante e le ambientazioni sono in linea con i cupi tratti dell’opera di partenza.
Del Toro riesce a non deludere dietro la macchina da presa, riuscendo a seguire al meglio lo svolgersi dell’azione, grazie anche ad un montaggio ben riuscito. La scene comiche non sono mai invadenti (anche se il fumetto si tratta più seriamente, ma è una scelta rispettabile anche quella adottata per la pellicola) e il regista/sceneggiatore è stato bravo ad inserire il giovane agente, escamotage classico per raccontare nuovi “mondi” e utile a evidenziare di volta in volta i diversi aspetti del mostro rosso (evitando quindi incongruenze caratteriali facilmente riscontrabili se il racconto ci fosse stato mostrato attraverso Hellboy).
Il prodotto finale è ottimo, uno dei migliori esponenti del suo genere.
[7/8]

School of rock:
Non tutte le commediole americane vengono per nuocere! Un Linklater più convenzionale del solito e un Jack Black ispiratissimo sfornano un film di pregevole fattura, pieno di emozione e passione per il buon vecchio rock ‘n’ roll! Musiche fantastiche e buone idee, in alcuni momenti la carica di Black fa sbagliare qualche tempo ma niente di grave: un sincero inno al vero rock. Fa niente se qualche rapporto poteva essere approfondito maggiormente, è una commedia, non aveva ambizioni, se non quella di trasmettere la maestosità della musica preferita da chi, come me, ama fantasticare sulle note dei Led Zeppelin, degli Who, dei Rolling Stones, dei Pink Floyd e di tutti i pazzi che il rock lo sanno fare.
[7,5]

Perchè anche i lupi parlano

2008-06-14T15:19:00.001+02:00

Okami è stata una delle rivelazioni per Playstation 2 ed è, da ieri, disponibile anche su Wii.
Il pluripremiato lavoro dello studio Clover ha sempre avuto un difetto: nonostante la notevole importanza delle sequenze narrative l'halifax (distributore italiano) non ha mai ritenuto opportuno tradurre i testi rovinandoci, almeno in parte, l'esperienza.

Segnalare il lavoro svolto da un gruppo di fan è dunque un obbligo morale, nella speranza che le quasi quattrocento (!!!) pagine di traduzione si diffondano tra i potenziali acquirenti del titolo.

Vi lascio dunque il link al progetto: okamiita.altervista.org.

The crystal skull is BACK! (By Pietro)

2008-06-13T01:14:00.001+02:00

Davvero speravate che i due precedenti interventi (trilogia classica e quarto episodio) sarebbero bastati ad esaurire l'argomento Indy? Ahahah! Ogni tema andrebbe affrontato da diversi punti di vista per essere compreso al meglio. E' dunque il turno Pietro (lui che il cinema lo studia sul serio) che esordisce su queste pagine con un appassionato commento sull'ultima fatica di Spielberg e Lucas! Vi lascio alle sue parole:

Film in pieno stile Indiana Jones... gustoso. nel complesso ben realizzato. Focalizzando su aspetti prevalentemente tecnici e stilistici, sono belle le scene nella cittadina, nel bar, nell'uni... riuscite meno bene invece le scene nell'angar 51 all'inizio della pellicola (palesemente girate in studio e poi compositate con gli sfondi in post-produzione, tra l'altro anche in maniera scarsamente accurata, soprattutto per quanto riguarda certe ombre doppie poco convincenti…). Ben ripresi invece tutti i luoghi comuni noti ai fans della saga… compresa la chicca del serpente-mangia-ratti che pur essendo poco animalista è una trovata quasi scontata nella sua originalità. Il cappello è come sempre parte integrante del personaggio di Indiana jones, e come tale viene sempre recuperato …o non viene perso tra una cascata e l’altra. La memorabile scena dell’inseguimento sui carrelli della miniera nel Tempio Maledetto, è rievocata questa volta nella giungla a bordo delle vetture.
Un altro appunto riguardante la realizzazione: potrei azzardare ad affermare che l’intero film troppo di frequente rischi di sembrare un mero esercizio di stile; una moltitudine di situazioni che non si possono definire al limite della realtà… non stanno né in cielo in terra!!! (qui a malincuore devo ammettere che ho iniziato a maturare scontento e perdere stima verso il buon Steven)…
Un frigorifero a prova di bomba atomica?? Non dimenticate di procurarvene uno … di questi tempi non si è mai troppo sicuri!;
se qualche anima buona e di intelligenza superiore ha la bontà di spiegare il significato della momentanea regressione di Shia in un Tarzan signore delle scimmie superveloce…Personalmente mi è sfuggito anche il significato di quei poveri indigeni murati nei sotterranei della piramide maya da chissà quanto…che guarda caso stavano aspettando proprio indy e la sua banda… ma che guarda caso non li incontreranno nemmeno e finiranno trucidati nel giro di una scena e mezza dagli inseguitori russi…

… pausa di riflessione… XD

Per quanto riguarda la trama e lo svolgimento, il tutto regge, forse (e qui si capisce per chi faccio il tifo) la mano del maestro George si fa sentire…buona l’idea di far leva sul mistero dei maya e sui sospetti verso presenze aliene.
Il neo-junior fa la sua parte degnamente e guarda le spalle al veterano Ford che seppur visibilmente invecchiato è ancora un professore (ogni tanto) e “archeologo” in forma e credibile.
Spendo proprio due parole per la componente femminile del cast: quella dolce donzella dal fegato d’acciaio incontrata “sull’arca” anni orsono, è un elemento necessario per completare il quadretto famigliare, che per altro regge bene, e per fortuna!, perché si tratta di un nodo dell’intreccio non così secondario; dall’altro lato mi domando il perché dell’aver scritturato la Signora Degli Elfi per una parte che non sfrutta per nulla le potenzialità dell’attrice. Nulla da obiettare comunque alla comunistona cattiva di turno.
La scena finale vale tutto il film… pippe mentali e fisiche a manetta!
Un ultimo appunto riguardo la componente politica della storia: nelle precedenti avventure, (tralasciando il primo in ordine cronologico di ambientazione, ossia “Il Tempio Maledetto” – 1935) abbiamo notato che la simpatia verso l’impero dei Nazisti è palese: ne “I Predatori Dell’arca Perduta” ambientato nel 1936 e ne ”L’ultima Crociata” nel 1938, ci si trova nel mezzo dell’era Nazista: 1933-1945. I cattivi di turno nella storia dell’umanità sono proprio loro…ed in quanto tali vengono pesantemente ammoniti dalla coppia Lucas-Spielberg di matrice decisamente democratica.
In questo quarto capitolo “Il Regno Del Teschio Di Cristallo” (1957), il nemico è comunista; resta la coerenza di scontrarsi, da parte dei nostri eroi, con il “Potente” del periodo storico.
Infine: una mia interpretazione personale vede la grande diva Kate vincitrice tra tutti. Colei che riesce ad ottenere quello che vuole, ovvero la conoscenza; non è forse così? Ahahahah

Libera uscita

2008-06-12T02:03:00.001+02:00

Luciano Ligabue. Rocker (e scrittore, e regista, e sceneggiatore) emiliano lanciato verso successi sempre più grandi, nel 2002, quattro anni dopo all’acclamato esordio sul grande schermo con Radiofreccia, torna dietro la macchina da presa per presentarci Da zero a dieci, la storia di Giove (fratello del defunto Freccia) e del suo gruppo di amici.
Il soggetto è semplice: i quattro protagonisti tornano a Rimini dopo vent’anni per completare un weekend di follie interrotto per un motivo che verrà svelato solo nel finale della pellicola, per farlo si sono dati appuntamento con le vecchie amiche conosciute durante la storica vacanza.

Ligabue, come in radiofreccia, fa leva sulla nostalgia e stavolta ce la mostra dagli occhi di chi la giovinezza la ricorda soltanto (in questa occasione il cantante racconta la sua generazione, cercando di mostrarne i pregi e i difetti, esagerando forse con l'autoreferenzialità). I personaggi ricordano il passato solo con brevi riflessioni, di sfuggita e spesso con un solo, semplice e lapidario giudizio (da zero a dieci appunto). Gli spunti sono tantissimi, troppi, c’è tanta di quella carne al fuoco che non basterebbe una trilogia per sviluppare al meglio le idee di questi ragazzi di mezza età, la superficialità ha permesso al cantautore di riassumere in una (bella) canzone il significato del film. I personaggi sono troppi per una rappresentazione così complessa, il film è ibrido tra la coralità del gruppo e la singolarità di Giove, riuscendo a mancare il bersaglio di entrambe le visioni. La storia dei compleanni non è stata vissuta con eguale intensità dai quattro ma il dramma funziona bene e il film riesce a lasciare qualcosa anche dopo la visione. Tecnicamente nonostante le discrete critiche la regia non mi ha colpito e anche il montaggio mi ha lasciato più volte perplesso, ottima invece la colonna sonora (anche se volevo sentire il blues e non l’orchestra durante il concerto!) così come la scena fatta tipo musical.

In definitiva ho preferito di molto radiofreccia, sarà per la sorpresa, per le minori aspettative, per gli attori (che stavolta qualche colpo lo accusano) o per la maggior compattezza generale (grazie anche alle minori ambizioni).
[6/7]

Suspance... (By Elda)

2008-06-10T00:01:00.001+02:00

Stavolta ci pensa Elda a fare il punto della situazione; dopo aver visto la coppia film+musical del celebre profondo rosso la giovane ragazza ha così espresso il suo punto di vista:

Suspance, sangue, psicologie perverse, e cruenti omicidi… Dario Argento non si smentisce mai, con “Profondo Rosso” viene giudicato da molti della critica come “l’erede” di Hitchcok.
La trama è piuttosto semplice: un pianista assiste all’omicidio di una psicologa-sensitiva e da quel giorno la sua vita cambia; decide che deve essere lui a prendere in mano le redini di questa indagine, per mettere fine alla serie di efferati omicidi operati da una mente contorta, disturbata da un non so che di inquietante… come in ogni thriller che si rispetti il protagonista è aiutato nel suo difficile compito, in questo caso la scelta cade su una bella giornalista con la quale intreccerà una storia di sentimento, sfida, e ricerca della verità. Sullo sfondo una musichetta infantile, una casa abbandonata, un lugubre disegno e la polizia sempre sulla pista sbagliata.
Difficile non essere catturati da questo bellissimo film… se da una parte abbiamo il sangue evidentemente finto dall’altra abbiamo momenti di profonda suspance che ci fanno balzare sulla poltrona!
Tutto per giungere al più inaspettato dei finali.
Ottimo anche il cast: David Hemmings nel ruolo del pianista inglese Marcus Daly, Daria Nicolodi (nonché moglie del regista) nei panni della giornalista, impicciona quanto intelligente, Gianna Brezzi, Gabriele Lavia che è il misterioso e complicato amico Carlo, e Carla Calamai, ovvero Marta, la madre di quest’ultimo. Tutti bravi nei loro ruoli, di certo non semplici da interpretare. Una nota di merito particolare sicuramente a Hemmings e alla Nicolodi che hanno reso il film degno di essere visto.
Lodevole anche l’inquietante colonna sonora, opera del gruppo rock dei Gobelin che diedero come titolo “Profondo Rosso” a uno dei loro primi album.

Non ha deluso le aspettative nemmeno il recente musical ispirato all’omonimo film. La trama è pressoché identica, se non fosse per qualche particolare legato all’ambientazione, come nel caso del primo omicidio che nel film avviene in un appartamento, nel musical in un camerino del teatro.
L’atmosfera è resa meravigliosamente, colore dominante ovviamente, il rosso, su quasi tutte le scene.
Ottimo l’utilizzo delle tre maschere, narratrici misteriose dell’appassionante storia. Attori discreti per quanto riguarda l’interpretazione della storia, ma con una voce molto bella che ha garantito la buona riuscita delle parti “cantate”; ottime coreografie per ballerini professionisti che hanno di volta in volta trasmesso le emozioni dovute attraverso i loro passi, guidati da sensazionali musiche. Niente da ridire, insomma, per un film considerato fra i più belli del cinema italiano, guidato da uno dei migliori registi del thriller-horror, e per il suo degno adattamento teatrale.

Austria&Svizzera '08

2008-06-09T00:45:00.002+02:00

IN BOCCA AL LUPO RAGAZZI!

Pillole di cinema (2)

2008-06-08T16:01:00.004+02:00

Fur:
La bellissima Nicole Kidman e l’amato Tony Stark ad interpretare un’immaginaria biografia della fotografa Diane Arbus. Ci troviamo di fronte a un prodotto visivamente molto interessante: le stanze, i freak, le pubblicità e l’intero (per quanto piccolo) mondo che circonda i protagonisti riescono a suggestionare lo spettatore.
I suoi pregi però non vanno di molto oltre e i limiti riescono invece a manifestarsi appieno. Il film è vuoto. Fatica a raccontare e ad emozionare. E se Diane non avesse fatto neanche una foto sarebbe cambiato qualcosa? No. E questo no è un fallimento dal punto di visto biografico. Ma almeno ci sono i freak! La loro situazione, i loro rapporti, i problemi, gli stati d’animo… Naaa, solo abbozzati. Così come l’interessante situazione famigliare, il rapporto (e il carattere) delle figlie, dei parenti, tutto accennato. E la trama? Il dramma che arriva a compiersi? Il tema del mare non riesce a svilupparsi e a creare la giusta atmosfera per l’addio. I fatti sono pochi, il soggetto è semplice, procede lentamente senza però riuscire ad approfondire le belle immagini proiettate sullo schermo. Buona opera visiva, ma il film si perde molto presto tra i molti spunti proposti. E pensare che vent’anni fa i freak ci regalavano prodotti come Elephant man…
[6,5]

Superhero:
Osceno! Inguardabile! C’era ovviamente da aspettarselo ma che dire? Avendo visto tutti i film parodiati e amando il tema supereroistico credevo di riuscire a farmi qualche risata… Scordatevi invece le battute comprensibili solo a pochi, ai cliché finalizzati alla storia e a quelle chicche in grado far sorridere anche lo spettatore più esigente. Lo so, era ovvio che fosse così, ma cosa posso farci? L’ottimismo mi ha reso cieco. Le cose sono due: o il film era davvero così pessimo o io sono diventato così vecchio da non riuscire più ad apprezzare i siparietti alla scary movie… Probabilmente la verità sta nel mezzo. Un grazie a chi ha deciso di far durare questo strazio un’ora e mezza scarsa. Fosse durato due ore non so se adesso sarei qui (vivo).
[3]

Arrivederci.

2008-06-07T14:07:00.003+02:00

Brutto colpo per gli abbonati sky amanti del cinema, dopo aver perso l'elenco mensile dei film da qualche mese (c'è solo a pagamento, sono pazzi!) ecco la decisione di non rinnovare il contratto a studio universal, uno dei canali più interessanti. Le trasmissioni si sono interrotte ormai da una settimana, un vero peccato.
I costi continuano ad aumentare, il servizio a peggiorare e i dubbi vogliono diventare certezze. Gira la voce che studio universal verrà sostituito dal canale della MGM, se non sarà all'altezza, zak! Via sky!
:-(

DS World! (2)

2008-06-03T19:05:00.000+02:00

Castlevania: Dawn of sorrow.

L’ennesimo capitolo della fortunata serie dedicata al castello di Dracula, il primo sviluppato per la console portatile griffata Nintendo, si colloca un anno dopo la conclusione degli eventi narrati in aria of sorrow (l’ultimo per game boy advance) ampliando ulteriormente le modifiche introdotte con successo dal suo predecessore.

Il protagonista è ancora una volta Soma Cruz che dovrà sconfiggere la setta guidata da Celia Fortner (intenta a portare in vita un nuovo signore oscuro e per farlo dovrà uccidere il nostro giovane eroe). Le sequenze narrative fanno solo da sfondo alla grandiosa atmosfera presente nelle diverse zone del castello e la trama avanzerà lentamente, senza scioccanti rivelazioni, lasciando alle parti giocate il difficile compito di tenere incollato il giocatore.

Il gameplay è il classico della serie, con l’aggiunta della raccolta anime introdotte in aria of sorrow (caratteristica che permetterà di personalizzare le abilità del protagonista), e la voglia di non perdere il backtracking (ripercorrere più volte le stesse zone) “alla metroid” presente già in molti altri capitoli.
Nonostante le innovazioni introdotte non siano molto rilevanti il gioco rappresenta uno dei punti massimi raggiunti dagli adventure a scorrimento in due dimensioni e l’esperienza di gioco resta di altissimo livello.

L’approccio iniziale non presenta molte difficoltà e le prime fasi di dawn of sorrow sono decisamente alla portata di chiunque, il castello è comunque un ambiente immenso ed esplorarlo per intero, comprese le stanze nascoste, si rivelerà un’impresa più ardua del previsto.

Il design è ispirato anche se lo stile simil-manga non sempre si adatta all’atmosfera del castello (tendenza che si nota esclusivamente durante i pochi dialoghi, nelle fasi di gioco infatti questo “difetto” viene meno) e i nemici sono vari e ben caratterizzati (in relazione agli stage che li contengono) grazie a richiami letterari/mistici/mitologici.

Unica nota stonata è l’utilizzo del touchpad: i sigilli da disegnare alla sconfitta dei boss non sono intuitivi e una semplice imprecisione può trasformare le vittorie ottenute dopo uno scontro all’ultimo sangue in tragici fallimenti.
[9]

PS.Geniale l’utilizzo della Medusa del Cravaggio (che segue con lo sguardo il nostro cammino) nel mezzo di un lungo corridoio.

Ci sono mancate le tue frustate...!

2008-06-01T02:34:00.001+02:00

SPOILER PER CHI NON HA (ANCORA) VISTO INDIANA JONES E IL REGNO DEL TESCHIO DI CRISTALLO!

Mi raccomando, non leggete niente che riguardi Indy senza aver prima messo come sottofondo la stupenda colonna sonora del genio Williams.

“ […] it was awesome and anyone who thinks it was awesome is awesome and if you didn't then you're not.
Awesome.”

Ron Gilbert

Il film inizia subito bene e l’entrata in scena dell’archeologo è indimenticabile! Come è bellissima tutta la prima parte (nonostante alcune superficialità tecniche)… Qualche colpo viene perso col proseguimento della pellicola… Anche se sono convinto che la maggior parte delle scelte antipatiche siano state forzature dettate dal sopravvalutatissimo Lucas (le scene delle marmotte e del Mutt/Tarzan in primis)! Nel finale la voglia di spiegare tutto rovina un po’ l’atmosfera, ma niente di grave.

La trama è lineare e, a tratti, debole. Bravissimo Spielberg a gestire Oxley, personaggio chiave della vicenda e punto debole della discreta sceneggiatura; è il professore che spinge Indy a lanciarsi in una nuova avventura ed è sempre lui a fornire gli indizi fondamentali (lettera, prigione, mappa e frasi sconnesse nella pazzia), focalizzare eccessivamente l’attenzione su questo personaggio avrebbe evidenziato la macchinosità e le forzature di una trama che ha solo bisogno di essere scorrevole.

Qualche delusione per certe situazioni senza senso, inserite solo per rendere più spettacolare il tutto (esempi: gli indigeni rimasti per secoli all’interno del tempio ad aspettare di essere uccisi in due minuti dai russi, inutili a livello narrativo e che stonano con la coerenza generale del film, il teschio che è magnetico solo quando il buon Steven se ne ricorda, ecc).

Un aspetto che ha suscitato non poche polemiche è stato il cambiamento di tematiche. Per fortuna c’è stato dico io! Sono passati vent’anni dall’ultima avventura e il mondo è cambiato! A livello di sceneggiatura la modifica si è fatta sentire in profondità e non solo per il cambio nazisti/russi.

La trama è molto influenzata dai racconti avventurosi dell’epoca (anni ’50) e, in pieno “periodo Roswell”, l’unico mistero in grado di catturare tante attenzioni da parte di entrambi gli schieramenti era quello degli alieni. Un altro elemento inedito negli scorsi episodi è la componente spionistica, in questa quarta pellicola si respira (almeno nella prima parte) l’aria di diffidenza da parte delle agenzie di intelligence.

Il film è pieno di citazioni/richiami/omaggi ai capitoli precedenti (anche al telefilm ma, fortunatamente, in misura minore). Basta pensare alla minaccia fallita, alla manopola nel buco (stessa situazione e stessa inquadratura del tempio maledetto), ai continui rimandi a Marcus, all’Arca, al ritorno dei quadretti famigliari (sempre esilaranti), al parallelismo carrelli-jeep, ai serpenti, al relax, all’università, alla sempre verde equazione Indy=cappello+frusta e alle altre innumerevoli trovate, belle belle belle!

Per il resto questo episodio ci racconta una suggestiva avventura del nostro archeologo preferito, civiltà precolombiane, giungla, templi nascosti, prigioni, passaggi segreti, rapimenti, inseguimenti, c’è tutto il necessario per non sbagliare! Peccato per il mistero un po’ scontato ma un’avventura così non si vedeva da molti anni.

Nonostante qualche imperfezione il film si assesta su ottimi livelli, bravo Spielberg e bravo Ford! Grazie per averci fatto rivivere l’affascinante mondo di Indiana!
Voto da appassionato: 8,5.
Voto oggettivo: 7/8.

PS.Tra i vari forum si leggono lamentele per alcune scene troppo esagerate, ma lo spirito della serie è SEMPRE stato questo! O c’è qualcuno pronto a sostenere che scendere dal cielo a bordo di un gommone sia più realistico del superamento delle tre cascate?

DS World! (1)

2008-05-31T01:56:00.005+02:00

Dopo il grande successo di Ossu! Tatakae! Ouendan!, rythm game atipico e demenziale, arriva anche in Europa il suo clone/adattamento: Elite Beat Agents.

Il giocatore impersona un terzetto di “agenti” che hanno il compito di rispondere alle disperate richieste di aiuto di originali personaggi in preda a drammi esistenziali, e quale modo migliore per risolvere i problemi se non con… la danza?

I tre protagonisti si esibiranno in intricate coreografie con lo scopo di porre fine ad assurde problematiche: dal fidanzato di una babysitter alle prese con le piccole pesti, passando per un regista senza talento alla ricerca dell’ispirazione, senza dimenticare Leonardo Da Vinci alla conquista della Monna Lisa, il povero cagnolino disperso, il petroliere che troverà Atlantide, il ladro pasticcione e le altre esilaranti situazioni descritte da comici siparietti (4 o 5 a seconda della canzone). La caratterizzazione e lo stile sono promossi a pieni voto e il gameplay non è da meno! Il premere (e trascinare, e roteare) a tempo il bianco pennino non è mai stato così divertente! La ricerca del punteggio perfetto e la simpatia dei pazzi protagonisti ci spronerà a non lasciarci sfuggire niente del mondo fittizio del gioco!

Gli unici difetti di questo titolo (che può però deludere chi non ama quando i giapponesi si inventano cose così sopra le righe) sono la longevità (abbiamo a disposizione solo una quindicina di canzoni da interpretare) e l’effettiva qualità dei brani, essendo per la maggior parte cover (non sempre di pezzi eccellenti tra l’altro).

Concludere il gioco con i Rolling Stones (Jumpin Jack Flash), passando per David Bowie, i Queen, i Deep Purple (highway star) e l’intramontabile Y.M.C.A. diverte moltissimo e il supporto di cut scene al limite della sanità mentale non ha prezzo. Peccato che bastino due giorni per terminare il percorso e l’elevata rigiocabilità non è sufficiente a tenere la cartuccia nella console per più di tre settimane (il tempo di fare i record sulle tracce preferite).

Il gioco è comunque da promuovere a pieni voti! Grazie alla sua originalità conquista facilmente il cuore di ogni fan del genere, non serve guitar hero su DS, ma un seguito di questo capolavoro.
[8,5]

PS.Segnalo che è completamente assente la localizzazione italiana, ma l’inglese utilizzato è facilmente comprensibile da chiunque.

Ragni contro fuggiaschi (2)

2008-05-30T01:59:00.008+02:00

Dopo la noiosa introduzione del mese scorso (potete rileggerla qui) ecco arrivare il confronto tra le due serie adolescenziali meglio scritte in casa Marvel.

Ultimate Spiderman è stato il mensile di punta della casa delle idee fin dal suo esordio, spremuto fino al midollo, nel suo periodo d’oro ha raggiunto le diciotto uscite nel corso dello stesso anno (fatto strano data la mensilità della testata). I punti di forza di questo successo?

- Pubblicità, tanta pubblicità, troppa pubblicità… Doveva essere il rilancio di un personaggio che stava vivendo una nuova giovinezza grazie al film e la cui serie “ufficiale” (Amazing Spiderman) era da tempo diventata noiosa e ripetitiva.

- Zero continuity! Il lancio del nuovo universo dava piena liberta per ripartire da zero! Tutto il passato cancellato e una storia interamente da riscrivere! Occasione d’oro per catturare la nuova generazione di lettori.

- Team creativo Bendis+Bagley! Del primo e delle sue qualità narrative parlerò in seguito, il secondo è stato in grado di garantire una stabilità fuori dal comune per il mercato americano: stesso disegnatore per più di cento numeri senza ritardare neanche un’uscita, lavorando a ritmi assurdi, un record per una serie regolare made in USA.

E perché una serie così commerciale, con un target che tanto si presta a tematiche banali, risulta essere interessante da un punto di vista artistico? Per Bendis, ovvio!

Brian Michael Bendis è la star della Marvel e ha avuto piena libertà in moltissimi progetti, Ultimate Spiderman compreso. Un tale potere su un personaggio tanto conosciuto aveva inizialmente spiazzato anche lui, tanto che i primi episodi si basavano su soggetti piuttosto banali (Peter sfigato, MJ ragazza della porta accanto, goblin e Osborn, yawn) raccontati molto bene grazie a dialoghi sempre efficaci e ad una “gabbia” libera che si adatta al ritmo di ogni situazione (bravo a Bagley per questo).

Col proseguo della serie Brian è riuscito a ritrovarsi regalandoci personaggi interessanti (senza però tralasciare i tratti in comune con la serie originale, omaggiata di continuo) e situazioni divertenti, originali e ad ampio respiro.
Dopo oltre cento numeri la continuity si è ricreata ma Bendis riesce a giocarci ancora molto bene, cercando nuove idee senza tornare sempre sul passato. Gwen, la saga del clone e il triangolo con Kitty sono il simbolo della brillantezza che manca alla serie regolare del ragno (nonostante la presenza della vecchia May… Non ce la siamo tolti di mezzo neanche in questo universo!).
[7]

Progetto riuscito quindi, ma si merita davvero la palma d’oro (nel suo genere) in casa Marvel?

Torniamo quindi a Runaways: il progetto minore, nelle mani di due illustri sconosciuti e mal supportato dalla casa delle idee.

Stavolta abbiamo a che fare con personaggi nuovi, il loro legame con il cosmo Marvel è inizialmente molto debole e la programmazione a singhiozzo non aiuta a familiarizzare con questo gruppo di ragazzi obbligati a fuggire dai genitori criminali.

Per fortuna a dirigere il tutto c’è il giovane Brian K. Vaughan! Astro nascente (insieme a Brubaker) dei comics U.S.A. degli ultimi anni. Inizialmente la serie passa quasi inosservata, l’interruzione della linea tsunami fa pensare al peggio e la chiusura sembra scontata. Sarà il successo della ristampa in volume (in un inedito formato pocket) a riaccendere le speranza per il progetto, tanto da garantire a Vaughan di portare a termine le sottotrame in sospeso. La grande attenzione conquistata da questa continuazione porterà la Marvel a rilanciare la testata da un nuovo numero uno, consacrandola tra i fumetti più seguiti e dedicandogli le attenzioni (= supporto, soldi e autori) riservate solo alle serie più prestigiose!
I motivi di questa parabola di successo (e dell’iniziale insuccesso)?

- Ritmo veloce e mai noioso, le trame scorrono veloci senza mai essere ripetitive! Questa velocità è un difetto in una pubblicazione seriale, ma la caratteristica esalta la serie quando viene ripubblicata ad archi narrativi completi!

- Personaggi ben caratterizzati fin dalle prime pagine (fondamentale con un ritmo così serrato), in continuo sviluppo sia personale che in relazione al gruppo.

- Disegni belli, efficaci e in continuo miglioramento dal primo all’ultimo numero. Alphona ha esordito con questa serie e ha migliorato molto il suo storytelling pagina dopo pagina, il suo stile ha contribuito a caratterizzare i personaggi e gli ambienti, rendendo unica l’intera atmosfera.

- Gabbia molto cinematografica, in cui le vignette orizzontali (che occupano l’intera larghezza della pagina) prevalgono sui classici rettangoli. Questa caratteristica, unita alla scelta di utilizzare poche vignette per pagina, aiuta a spettacolarizzare gli eventi e a rendere di più facile comprensione la lettura della pagina (tenuto conto che il disegnatore è un esordiente).

- Narrazione brillante della “nascita” del gruppo, con tutte le problematiche legate ad essa.

- Le bassissime aspettative rendono migliore qualsiasi risultato positivo.

Per contro c’è da dire che alcune trame esasperano l’ingenuità delle storie (va bene parlare di ragazzi alle prime armi con tutto ma va male quando anche i risvolti narrativi sono di pari semplicità), scelta però in linea col target iniziale della serie. I momenti migliori sono da ricercare nella parte centrale della testata.
Runaways è stato pubblicato in Italia da paninicomics in volumi monografici reperibili solo nelle fumetterie.
[7,5]

Pillole di cinema (1)

2008-05-21T12:30:00.004+02:00

Il cacciatore di aquiloni:
pellicola molto forte, non visivamente (che è tranquilla in tutto), ma come tematiche ed emozioni trasmesse. Soffre qualcosa nella strutturazione della trama (sicuramente per restare fedeli al libro), dopo i momenti di massima emotività ci sono alcuni risvolti narrativi che appesantiscono inutilmente il tutto. Il film è comunque molto valido, sicuramente più scorrevole di altri film che trattano tematiche simili (Afghanistan&co). Buona fortuna a chi è ha la lacrima facile... Ci sono momenti molto intensi in cui bisogna lottare per non far scendere la lacrimuccia. ;-)
[7,5]

Blood diamond:
Un giusto equilibrio tra azione e dramma, denuncia un tema delicato senza perdere l'avvincente dose di avventura e gli attori sono bravi bravi (e poi chi mi conosce lo sa: adoro la Connelly!). Qualche scena un po' forzata e trama a tratti scontata sono i principali difetti di un film che si mantiene costantemente su buoni livelli. Consigliato.
[7,5]

E sono SEDICI!!

2008-05-21T12:13:00.005+02:00

E FINALMENTE... CAMPIONI D'ITALIA!!!!

Breve divagazione calcistica per celebrare il sedicesimo scudetto nerazzurro!

Anche stavolta ci hanno fatto soffrire fino alla fine ma stranamente è andato tutto bene... Ci voleva proprio... Alla faccia di quei romanisti esaltati! :-P Peccato solo per la pioggia che ha reso meno intensa la festa in duomo.

Migliore della stagione: Julio Cesar (e questo la dice lunga sulla qualità del nostro bellissimo gioco).

Onore anche a Cambiasso, Ibra (tornato giusto in tempo ^^), Zanetti e Cruz che sono i pochi che hanno dimostrato di avere la continuità necessaria per vincere un capionato così lungo.

Grazie comunque a tutti i ragazzi sperando di restare ancora un po' su questi livelli.

E ora si può tornare a respirare... :-)

Indiana Jones day!

2008-05-11T02:20:00.006+02:00

Era oggi il giorno prescelto. Ebbene sì, maratona indy! Compagni di avventura i veterani Piè e Cri (con ingresso al secondo film di una nuova coppia).

E' stata l'occasione giusta per prepararsi al nuovo capitolo della saga (contando ti terminare Indiana Jones and the fate of Atlantis entro breve) e per fare qualche riflessione sulla trilogia originale.

Non ricordavo un Junior così scatenato e "cattivo" nel primo film. Non si fa scrupoli ad ammazzare chiunque, anche a sangue freddo, caratteristica che viene a perdersi col preseguo della saga.

Il secondo film l'ho trovato il più debole. Non tanto perchè fatto peggio (anche se i titoli di testa non sono da indi...) ma per la continua sensazione di claustrofobia, stando sempre in quel maledetto tempio l'avventura non riesce ad esprimersi attraverso gli innumerevoli paesaggi esotici suggestivi degli altri capitoli. Oltre a questo perdiamo anche il contrasto tra professore e avventuriero fondamentale per la costruzione del personaggio. I siparietti comici riescono comunque ad esserci anche in misura minore.

Il terzo film si conferma il meglio riuscito, anche se la mancanza di una giungla e di una donna con le palle fa perdere qualche punto. Connery è un'ottima spalla (forse fin troppo ingombrante...) che ha però reso il fim eccessivamente comico in alcune situazioni.

Del primo capitolo invece c'è poco da dire, è lì che scopriamo il personaggio. Situazioni memorabili per tutta la durata della pellicola ma è soprattutto nella prima parte che Indiana da il meglio di sè, una sequenza di scene azzeccate che ci dicono tutto quello che dobbiamo sapere sul professore che tutto vorremmo avere. Un must.

Che dire? Indiana è sempre Indiana. Grande uomo. Grandi attese per il quarto capitolo. L'avventura nel suo stato più puro.

ps.ricordo a tutti di giocarsi Indiana Jones and the fate of Atlantis, avventura della Lucasarts di una quindicina di anni fa, che è in grado di far rivivere con straordinaria efficacia le atmosfere del film. Il gioco occupa pochi MB e si trova facilmente in forma gratuita perchè ormai abbandonato dal produttore e necessità dell'emulatore SCUMMVM. Per qualsiasi difficoltà con email vi risolvo qualsiasi problema. :-D

IRON MAN

2008-05-08T00:20:00.002+02:00

Sì, ok. Sono esaltato. Il film è davvero così bello? Forse no, di difetti ne ha (tipo le forzature riguardanti gli antagonisti), ma la cura per i dettagli è maniacale. Lui è bravissimo. Le musiche caricano. E Samuel L. Jackson fa sognare. Ecco come sono da fare i film sui supereroi. Nella mia personale classifica vola in alto avvicinandosi ai top class X-Men 2 e Batman Returns.

ps.voci di corridoio danno gli Avengers già nel 2011 con in formazione Iron Man, Capitan America, Ant-Man e Thor (come sicuri almeno, anche se senza dubbio non mancheranno piacevoli sorprese).

17

2008-05-01T01:26:00.004+02:00

Ehm... Ed era pure ora...

Mancano pochi giorni ormai...

2008-04-28T21:53:00.001+02:00

Sarà una cazzata, sicuro, ma Robert John Downey Jr mi fa impazzire!

Ragni contro fuggiaschi (INTRO)

2008-04-27T02:44:00.007+02:00

Siamo nel 2000. La Marvel Comics non attraversa uno dei suoi momenti migliori e ha bisogno di rinnovarsi. Vengono lanciati nuovi progetti editoriali tra cui la linea Ultimate e il Mangaverse.

L’universo Ultimate è nato con l’intento di svecchiare i principali personaggi Marvel. Ogni serie ambientata nell’universo originale ha infatti decine di anni di storie alle spalle che “spaventano” i nuovi lettori.
Obiettivo: ripartire da zero.
Per vincere questa sfida e riconquistare i giovani, Quesada, supervisore capo della casa delle idee, decide di affidarsi alle nuove stelle dei comics made in USA: Bendis e Millar ai testi con Bagly, Kubert e alle matite.
La scommessa fu vinta e ancora oggi l’universo ultimate gode di ottima salute.
Noi però ci limiteremo a parlare (per ora) solo di Ultimate Spiderman, ad opera di Brian Michael Bendis e Mark Bagley!

Nello stesso anno prova a sfondare un altro progetto, nato anch’esso per conquistare nuove fette di mercato, il Marvel Mangaverse!
In questo nuovo universo narrativo vediamo i nostri eroi in versione manga.
Obiettivo: portare i giovani amanti del fumetti del sol levante ai supereroi statunitensi.
Il flop era scontato, i mezzi a disposizione scarsi, l’interesse del pubblico assente. Un fallimento su tutti i fronti quindi.
L’editore newyorkese però non si da per vinto e nel 2002 riprova a conquistare gli amanti degli occhi a mandorla con la linea tsunami, non più nuove versioni dei principali personaggi della casa ma nuove serie accumunate da stili grafici non del tutto occidentali. Anche in questo caso gli autori coinvolti non erano le star. Della nuova linea a noi interesserà unicamente Runaways, scritto da Brian K. Vaguhan e disegnato da Adrian Alphona.
Nonostante una partenza difficoltosa nel mezzo del fallimentare progetto tsunami, i Runaways riescono a evitare la chiusura, ma la Marvel ha continuerà ad ostacolare il loro il cammino verso una pubblicazione stabile e coerente inserendo la serie prima nella linea Marvel Age e successivamente sotto l’etichetta Marvel-Next (entrambe hanno un target molto basso).
Finita l’odissea editoriale il mensile creato dal pelatissimo Vaguhan riesce a trovare una definitiva consacrazione tanto che, dopo l’abbandono dei due creatori, il timone della serie viene lasciato alla superstar Joss Whedon, il creatore di Buffy.

E nei prossimi giorni… Il confronto!

Citaz. (Mulholland Drive)

2008-04-26T12:17:00.032+02:00

" . . . L'hai mai fatto? . . .

. . . Non mi ricordo . . . "

Scrutando nel buio

2008-04-25T21:24:00.014+02:00

Tic tac tic tac tic tac… Passano i secondi, passano i minuti, passano le ore, passano i giorni e passa anche la settimana.
Tra due ore ci si trova per il nuovo film e non ho ancora scritto niente dell’ultimo visto.
Si rimedia.

Formazione classica: Pietro e Cri mediani dietro di me (unica punta) con Elda che svaria sulle fasce.

Film del giorno: A Scanner Darkly (finalmente!) di Richard Linklater.

Il film utilizza la tecnica del rotoscope per creare la strana animazione che caratterizza la pellicola. Il risultato di questa sperimentazione è migliore di quanto visto sette anni fa in Waking Life dello stesso regista, le figure sono più nitide e i colori più definiti.

La trama si ispira ad un romanzo del fantascientifico Philip Kindred Dick e tratta il tema della droga.

L’intreccio non è dei più semplici e non di facile comprensione (anche a causa di una violenta accelerata nella seconda parte). Il film, infatti, dopo un antefatto che racconta il background storico-politico-sociale, passa gran parte dei suoi 105 minuti a mostrarci gli eventi che trascineranno il nostro eroe (Keanu Reeves) nel baratro. Tale scelta (condivisibile se si considera unicamente la sua tematica principale) fa perdere un po’ il resto dell’affresco creato da Dick che, nella seconda parte della pellicola, cambia più volte la prospettiva degli eventi. La sceneggiatura non riesce purtroppo a dedicare il giusto spazio alle conseguenze di queste rivoluzioni.

Tecnicamente il film si presenta piuttosto valido: la regia riesce a rendere bene gli stati d’animo dei personaggi principali, visivamente spiazza lo spettatore (con le tute mimetiche perfino esagerate) e le musiche non sono mai invadenti anche se forse un po’ anonime.

Nel complesso la pellicola riesce a gestire molto bene la vicenda del protagonista, facendoci condividere le sue ansie e le emozioni fino al drammatico finale. Ottimo film sulla droga quindi.
Perde invece punti quanto si tratta di gestire una trama più ampia e corale. Rimane sempre un buon prodotto ma poteva essere qualcosa in più, il romanzo originale ha ancora delle potenzialità inespresse dopo questo adattamento.

Voto: 7+.

Comunque complimenti a Richard! Sempre in grado di regalarci bei momenti. :-)

PS.Ho scoperto che anche la mia bici ha soltanto 10 marce.

Campo minato official trailer

2008-04-14T19:18:00.002+02:00

Benvenuto ^^

2008-04-12T13:45:00.002+02:00

Non credo ci sia bisogno di presentazioni.

From Wien part 3

2008-04-09T00:43:00.003+02:00

Dovete sapere che a Vienna le torte sono un’istituzione, e non parlo solo della celebre sacher torte.

Ogni cafè storico che si rispetti ha una ricetta per una torta originale (con tanto di marchio di certificazione su ogni fetta), sarebbe quindi un grave errore limitarsi ad assaggiare solo il dolce dell’hotel sacher, l’argomento merita di essere approfondito con un tour completo dei vari locali cittadini.

A Vienna, oltre alla sua torta più famosa, mi permetto di consigliare la cafè central torte, con un sapore più delicato rispetto alla celebre concorrente (è criticabile solamente per l’eccessivo spessore della glassa di cioccolato).

PS: Fate attenzione! Diffidate da chi non accompagna la fetta di sacher con la panna (assolutamente obbligatoria!).

Comandanti del tempo

2008-04-07T01:03:00.004+02:00

Dopo molte ore passate in compagnia del Nintendo DS mi è stranamente venuta voglia di scrivere di Time Commando, un videogioco con ormai dodici anni di anzianità sviluppato dalla Adeline Software (una sconosciuta compagnia francese che non ha prodotto quasi più nulla di decente).

Siamo nel futuro e, come si può intuire già dal titolo, il filo conduttore del gioco saranno i viaggi nel tempo; la nostra missione sarà recuperare alcuni chip sparsi in diverse epoche e sconfiggere il virus che ha infettato il sistema.
La trama non verrà approfondita ulteriormente ma un videogioco di questo tipo non necessita di maggiori dettagli.

Graficamente il prodotto si mantiene costantemente su ottimi livelli, al massimo per il suo tempo. Le animazioni sono piuttosto ripetitive ma, considerando l’età, è già notevole vedere movimenti diversi per ogni epoca. Le ambientazioni non sono troppo spaziose, limitando, di fatto, la nostra libertà d’azione ma riescono a caratterizzare piuttosto bene i vari periodi storici.

Il gameplay risente di un’eccessiva ripetitività ma, grazie al gran numero di armi introdotte nelle diverse epoche, riesce parzialmente a nascondere questo difetto riuscendo a regalare al giocatore situazioni memorabili.
Come andava di moda nei primi anni dei giochi a scorrimento in tre dimensioni la camera è fissa, caratteristica da me particolarmente odiata (per questo motivo soffro alcune parti dei primi Resident Evil).

Le epoche in cui dobbiamo guidare il nostro eroe sono nove (non tutte riuscite benissimo):
- Preistoria.
- Roma antica.
- Medioevo giapponese.
- Medioevo europeo.
- Conquistadores.
- Western.
- Guerre del XX secolo.
- Guerre del futuro.
- Il Virus in persona!

Nonostante i molti scenari, il gioco non risulta particolarmente lungo e si riesce a portare a termine la propria missione con una certa facilità.

La casa francese riesce ad offrire un prodotto valido e sicuramente divertente, soffre di una mancata profondità (sia di level design sia di elementi narrativi) ma se affrontato con la dovuta leggerezza riesce a dare al giocatore il divertimento che si aspetta (almeno per i pochi giorni necessari per completarlo).

Voto: 7,5.

Nuove barriere infrante

2008-04-06T01:50:00.006+02:00

Nel pomeriggio di ieri la coppia imbattibile del Cage Team è riuscita ad abbattare il muro che separava i nostri eroi dal vincere in inferiorità numerica.

Nell'attuale Cage season nessun team era ancora riuscito nell'impresa.

Che questa vittoria possa essere d'esempio a tutti i coraggiosi sfidanti.

The Fisher King

2008-04-05T01:29:00.003+02:00

Appuntamento numero tre per il sempre meno settimanale cineforum made in Pandino.

Presenti: Cristian, Elda, Pietro ed io.

Film scelto (turno mio): La leggenda del re pescatore di Terry Gilliam.

Il film racconta di Jack Lucas, ex dj di successo, e di Perry, un professore di storia impazzito dopo la morte della fidanzata e diventato clochard. Le vite dei due protagonisti si incrociano in svariate circostanze e questi incontri miglioreranno l’esistenza a entrambi. Uniti da una improbabile ricerca del Santo Graal l’insolita coppia, guidata dai nobili e bizzarri valori di Perry, si ritrova a dover affrontare le difficoltà quotidiane.

Fin dalle prime sequenze è possibile riconoscere un Gilliam in piena forma, capace di creare un’atmosfera a tratti claustrofobica in grado di mostrarci nel mondo i sentimenti dei protagonisti.
Ogni scelta registica è portatrice di significati, le inquadrature delicatamente studiate riflettono lo stato dei personaggi (quando il mondo mostrato segue le stravaganze di Perry la camera si sbolla, lo stesso Perry ci mette molto tempo prima di conquistarsi un’inquadratura che gli renda onore, in quasi tutta la prima parte del film viene inquadrato sempre dall’alto, schiacciato da un mondo che non lo comprende, ecc). Particolare la doppia soggettiva data a Perry e a Jack durante il suo primo incontro, quasi a voler preannunciare l’escalation di eventi che porterà ad una completa sinergia tra i due (per il resto del film l’unico personaggio che godrà di soggettive sarà sempre e solo Lucas).
Il buon Terry conferma la sua passione per i mondi onirici opprimenti creando un interessante parallelo tra il cavaliere rosso di questa pellicola e il samurai di un altro suo capolavoro: Brazil.

Lo sviluppo dei personaggi è gestito molto bene. Un passaggio fondamentale riguardante questo aspetto è che il nostro Lucas termina da solo il suo percorso, senza più bisogno di una guida, segnato da un ultimo piccolo fallimento (l’aver ignorato l’amico barbone davanti alla sede della compagnia televisiva).

Impossibile non complimentarsi con gli attori, Williams e Bridges su tutti, ma anche la Ruehl e la Plummer si meritano gli elogi. Tutto il cast è riuscito a dare maggior spessore alla vicenda. Bravi!

Tecnicamente il film è valido anche se non perfetto:
- Montaggio preciso ed efficace, anche se dà al film un ritmo piuttosto lento riesce a far rendere al meglio ogni sequenza, senza mai perdere di atmosfera (unico appunto ad alcuni rallenty esagerati nelle sequenze oniriche anche se credo sia solo una questione di gusti).
- Fotografia ottima, non si perde mai per strada mantenendosi coerente per tutta la durata del film (con colori più anni ’80 che anni ’90, ma ugualmente efficaci).
- Apparato musicale un po’ anonimo, un unico tema che richiama il jingle su New York e per il resto niente da segnalare, un accompagnamento sottotono, fortunatamente le canzoni e gli effetti sonori che saltuariamente interrompono la monotona colonna sonora riescono a dare un po’ di brio anche a quest’aspetto.

Ultima segnalazione: la splendida sequenza del ballo in metropolitana, da sogno.

La pellicola si merita un 8,5. Uno dei film meglio riusciti di Gilliam riesce elegantemente a mettere in mostra il suo particolare stile. Solo tra un anno potremmo scoprire quanto sarà mancato il suo apporto all’imminente adattamento di Watchmen, passato in mano al giovane Zack Snyder.

Alla prossima settimana. ;-)

Tempo di evoluzioni!

2008-03-29T02:25:00.002+01:00

Ben arrivata!

Per cambiare la vita a un pendolare basta poco. :-)

(i primi test confermano un perfetto funzionamento, che gioia!).

Il poker

2008-03-28T20:58:00.003+01:00

Provaci ancora Mel

2008-03-28T01:43:00.003+01:00

Mel Gibson mi è sempre piaciuto molto come attore, come regista invece un po’ meno (ho adorato Braveheart ma The Passion non mi ha convito appieno).

Quando nell’ormai lontano 2006 è stato annunciato il suo nuovo film, ne sono stato subito sia incuriosito che spaventato: la curiosità era dovuta a una sporadica condivisione di sensibilità e la paura era invece causata dagli ultimi atteggiamenti di Mel che, dall’inizio delle riprese de La Passione, è diventato presuntuoso, credendosi in grado di fare tutto ad altissimi livelli.

Purtroppo, a causa di qualche contrattempo, sono riuscivo a vedere Apocalypto solo un mese fa.
Parliamone.

Le buone premesse ci sono tutte: Mel torna a dirigere un film che vuole essere epico, spettacolare, con ambienti ampi e importanti valori da conquistare.

La pellicola ci racconta di Zampa di giaguaro, del suo villaggio e della fuga per salvare la moglie incinta.

La trama non è molto complessa, la sua linearità serve per enfatizzare l’importanza dei momenti chiave. A raccontare il semplice soggetto Gibson ha scritto una sceneggiatura a tratti imbarazzante: buchi, scene senza senso, un’eccessiva semplificazione dell’ambiente e uno spazio/tempo filmico poco solido. Questi difetti pesano molto su un film che si pone tra i principali obiettivi la fedeltà storica (tanto da essere parlato in antica lingua maya). Fare un elenco dei passaggi sbagliati sarebbe eccessivo e l’analisi si allungherebbe inutilmente; vale comunque la pena segnalarne qualcuna: l’eclissi di giorno e la luna piena di notte, con i conseguenti risvolti narrativi, la notte stessa che non ha un significato preciso, rompe il normale scorrere del tempo creando buchi inspiegabili e, come ultimo esempio, si può discutere della scena prima del salvataggio della moglie, anche in questo caso il tempo inizia a scorrere diversamente da una parte all’altra della scena (momento in cui si riempie la grotta di pioggia).

Gli attori non sono male, considerato che molto di loro non sono professionisti, e aiutano a sentire viva l’atmosfera.

La regia riesce ad accompagnare bene quasi tutto il film, con alcuni momenti memorabili, scene forti e di notevole impatto visivo. Gibson dirige il film con personalità cercando di farci sentire sia i sentimenti sia l’importanza dei momenti vissuti dai protagonisti.

L’apparato tecnico è molto valido, un discreto accompagnamento musicale (che porta con sé efficaci effetti sonori) e una scenografia/fotografia ai massimi livelli, in grado di dare personalità sia al film nel suo complesso che alle singole ambientazioni.

Dal punto di vista narrativo la pellicola è ben strutturata; il lungometraggio si confronta con tematiche difficili e in più di un occasione si dimostra all’altezza delle sue ambizioni (o, in altri casi, riesce a far riflettere lo spettatore, sensibilizzandolo su alcuni argomenti). In questo caso il finale è buono, l’arrivo degli europei cambia la prospettiva dell’intero film, rimettendo in discussione con una singola scena l’importanza valori visti in precedenza.

Nel complesso il film ha sicuramente dei buoni spunti, è in grado, almeno in qualche sequenza, di farci vivere un mondo nuovo, ma allo stesso tempo soffre un soggetto eccessivamente semplice ed errori di sceneggiatura che spezzano continuamente l’incantesimo create dalle belle immagini.

Voto 7-. Un’occasione sprecata. Con un po’ più di attenzione si potevano raggiungere risultati molto migliori.

Caro signor Gibson, torna umile e torna a recitare, faresti un favore a molto. :-)

From Wien part 2

2008-03-27T01:28:00.006+01:00

E' con immenso piacere che ho scoperto che anche gli austriaci sono civilizzati. :-P

The new God

2008-03-27T00:56:00.012+01:00

Dopo ogni weekend di faticoso cage bisgonerebbe riposare, invece altri agguerriti playa sfidano continuamente i nostri eroi anche in settimana e lo fanno con regole tutte nuove.

Nei giorni lavorativi le panche dormono e un nuovo Dio ci osserva dall'alto decretando la nostra sorte con un cinismo senza pari.

It's a beautiful day

2008-03-26T21:26:00.004+01:00

Samus, sweet Samus...

2008-03-25T03:04:00.001+01:00

Questa console war mi ha spesso visto schierato a favore del Wii (anche perché è l’unica che possiedo, ma non solo), il periodo più difficile per difendere questa presa di posizione è stato l’inizio dello scorso anno, su X-Box 360 venivano pubblicati buoni giochi ogni mese mentre su Wii la facevamo da padrona prodotti infantili o malfatti, da settembre invece questo problema non si è più posto, grazie a una serie di uscite, tra cui Metroid Prime 3: Corruption di cui parlerò qualche riga sotto, lanciati sul mercato nello stesso periodo, il Wii ha riguadagnato terreno facendomi capire ancora una volta perché sono soddisfatto della scelta.

Premessa: sono un eretico e non ho mai giocato ai primi due prime o agli scorsi Metroid, anche se un’idea piuttosto precisa sulle meccaniche e lo stile di gioco me l’ero fatta.

Premessa2: Metroid l’ho acquistato in attesa di Super Mario Galaxy, il capolavoro annunciato di Nintendo, e l’ho quindi affrontato inizialmente con molte riserve e senza grandi aspettative.

In questa sua nona (?) avventura Samus (la nostra protagonista) ha il compito di recuperare l’unità Aurora non infetta e di distruggere il pianeta Phaaze, tralascio i dettagli intermedi per evitare inutili spoiler.

La trama è buona, non particolarmente articolata, non sempre originale, ma in grado fare da sfondo all’intera esperienza senza eccessive difficoltà. Inizialmente mi ha lasciato un po’ freddino, anche se col proseguo del gioco alcune sequenze mi hanno molto colpito. Altra importante caratteristica è il modo in cui ci viene raccontata, cioè mediante delle in-game cut scene, più funzionale e leggero dei filmati prerenderizzati ma meno coinvolgente del racconto naturale dell’ambiente (stile Bioshock), gli intermezzi scriptati sono rarissimi.

L’apparato grafico è buono, purtroppo il grande divario rispetto alle due console concorrenti c’è e si nota. Bisogna però riconoscere che i ragazzi del Retro Studios hanno cercato di spremere al più possibile i chip del Wii, le texture appaiono varie e piuttosto dettagliate (anche se non sempre riescono a mantenere la giusta nitidezza), gli sfondi sono belli e funzionali (per non perdere troppa potenza gli sviluppatori si sono rifugiati a molti fondali incollati dietro la scena, tecnica non sempre efficace ma in grado di garantire una discreta qualità a fronte di uno scarso utilizzo della GPU), i poligoni non mancano, anche se le figure a volte sembrano quasi stilizzate, i nuovi effetti introdotti riescono invece a rendere bene le atmosfere dei luoghi visitati, le animazioni paiono in certi casi ripetitive e l'aliasing non viene mai filtrato dal motore grafico.
Aldilà della sola tecnica non si può negare che il design dei nemici, dei boss e degli ambienti sia ben studiato per creare un’armonia visiva difficile da dimenticare.

Il reparto sonoro è invece notevolmente sopra la media: le musiche orchestrate da Kenji Yamamoto sono azzeccate, talvolta richiamano alcuni temi storici della serie, e gli effetti sono utili in molte occasioni per comprendere il mondo circostante. Ottimo lavoro.

Il vero pezzo forte del gioco, almeno da punto di vista tecnico, è però il gameplay: era dai tempi di Quake III Arena per PC che non si vedeva una così importante rivoluzione nel mondo degli FPS.L’accoppiata Wiimote + Nunchuck si dimostra vincente: affidando il controllo della visuale e della mira al primo e il movimento e l’aggancio dei nemici al secondo, altre funzioni sono di volta in volta assegnate ai due controlli e sempre senza stravolgere la spontaneità dei movimenti. Il pregio di questo sistema di controllo sta nella naturalezza con cui si padroneggia l’amata cacciatrice. Questo nuovo modo di giocare gli FPS ritengo sia attualmente l’unica alternativa valida ai sempre verdi mouse + tastiera, per capire di cosa sto parlando bisogna provare a giocarci. Una sensazione meravigliosa!

Esperienze passate hanno però insegnato che non di solita tecnica è fatto un gioco, passiamo ora ai contenuti.

L’idea dei visori resta molto valida (anche se non è stata introdotta da questo episodio della serie), soprattutto per il visore scan che permette di “vivere” al meglio l’esperienza, di conoscere il mondo, i pianeti, i nemici, gli oggetti, le civiltà. E’ grazie a questa funzionalità che la saga di Metroid riesce a far parlare i muri, caratteristica fondamentale per impostare un gioco così complesso.

Corruption non è semplice come ci si aspetterebbe dando una rapida occhiata alla trama, il level design è notevole, i pianeti sono strutturati con intelligenza, il gioco obbliga ad una continua esplorazione dell’ambiente, per molti addirittura esagerata, per poterne capire i segreti, scoprire stanze nascoste o superare ostacoli. Si segnala anche una componente non indifferente di backtracking, anche se (da quel che sento dire da chi li ha giocati tutti) in misura minore rispetto ai precedenti capitoli, questo fattore fa storcere il naso a molti, me compreso, ma, almeno per questo capitolo, questa caratteristica è ben implementata, sfidando il giocatore a scoprire anche le vie più nascoste.

Le sensazioni che questo gioco è in grado di offrire sono molte, a partire da senso di solitudine, sempre inquietantemente presente in tutto il gioco (ad eccezione della prima mezz’ora d’introduzione), continuando per il difficile rapporto con i boss, passando per la stimolante sfida con l’ambiente, che ti obbliga a vivere con intensità ogni stage e, soprattutto, immergendoti nell’avventura come solo pochi altri videogames sono in grado di fare, sfruttando anche un sistema di controllo mai così naturale e ben implementato.

In conclusione promuovo a pieni voti quest’ultima fatica del Retro Studios, un’avventura in grado di conquistarmi oltre ogni mia più rosea aspettativa e mai come in questo caso il risultato totale supera la somma delle singole parti. I piccoli difetti (da segnalare il fastidio di non poter skippare i voli i astronave) non sono nulla in confronto al gran numero di ottime trovate dei game designer, in grado di offrire un prodotto sopra le righe da qualsiasi punto di vista.

Voto: 9,5. Decisamente al di là di qualsiasi personale previsione.

Grazie ancora a Samus Aran per la fantastica esperienza di gioco che mi ha permesso di vivere.

From Wien part 1

2008-03-24T20:44:00.012+01:00

Folgorato da questa donna.

Una vita da spia

2008-03-20T01:41:00.006+01:00

Dopo aver esordito come regista nel lontano 1993 una leggenda come Robert De Niro decide di tornare a dirigere e lo fa con delle ambizioni non indifferenti: vuole raccontarci la nascita e i primi venticinque anni della CIA (fino al fallimento dello sbarco alla Baia dei porci) attraverso gli occhi di Edward Wilson (Matt Damon) dando molto importanza alla valenza storica della pellicola.

De Niro basa il suo lavoro su una sceneggiatura di Eric Roth, vincitore dell’oscar nel 1994 per Forrest Gump, e da essa si cominciano a notare i primi difetti. Il film è strutturato con continui flashback, tutti riferiti a precisi momenti storici, che rischiano di confondere uno spettatore non troppo ferrato sulla storia moderna, il trucco non aiuta a gestire questi continui salti temporali mostrandoci i protagonisti nel presente quasi uguali a com’erano venticinque anni prima, spiazzando ulteriormente lo spettatore distratto che non riesce a collocare la scena in un periodo storico solo guardando l’aspetto degli attori. Questa caratteristica determina il fallimento del film come mezzo per diffondere conoscenze storiche, difatti lo spettatore è tenuto a conoscere i fatti già in precedenza per comprendere al meglio la pellicola.

Questi difetti possono essere marginali; non spiegare i dettagli degli eventi che fanno da sfondo alla vicenda alza il livello di lettura del film, che richiede quindi maggior conoscenza e impegno dallo spettatore, e il trucco troppo leggero concorda con il difficoltoso sviluppo caratteriale del personaggio.

La storia di per sé può essere molto interessante, viene buttata molta carne al fuoco (la confraternita, l’ambiguità sessuale, il triangolo amoroso, l’intenso rapporto con la spia nemica, la fiducia e il difficile rapporto la famiglia sono solo alcuni tra i principali temi sviluppati) anche se l’aspetto su cui il regista punta maggiormente è la dedizione di Edward verso il proprio lavoro, per il quale è pronto a sacrificare persino i suoi cari.

I problemi emergono fin dai primi minuti. Al film manca ritmo, De Niro fa scelte stilistiche fin troppo tranquille e il lento montaggio non aiuta a tenere alta la concentrazione dello spettatore. Questa mancanza decreterà il parziale fallimento della pellicola sotto un altro importante aspetto: quello del puro intrattenimento, anche se le tre ore passano senza troppi problemi, il film non riesce a conquistare lo spettatore con scene particolarmente riuscite o un ritmo che terrebbe incollato allo schermo anche il pubblico più esigente.

A livello di contenuti il film offre molto; nonostante solo alcuni degli aspetti sono approfonditi in maniera adeguata la sceneggiatura non mostra evidenti squilibri narrativi, anche in questo caso il basso ritmo può far perdere interessanti evoluzioni dei temi trattati.

Pregevole l’apparato tecnico con una buona fotografia, delle ottime scenografie e una musica che accompagna senza intoppi la scena.

Come giudizio non me la sento di andare oltre il 7. È un discreto film ben che non riesce però a conquistare completamente lo spettatore. La pellicola scorre per tre ore senza né alti né bassi e difficilmente sarà ricordata come punto fondamentale per il cinema di genere.

E con questo auguro buona Pasqua a tutti. :-)

Tempo bastardo

2008-03-16T21:05:00.008+01:00

Requiem

2008-03-15T23:53:00.018+01:00

Secondo appuntamento del “cineforum” settimanale.

Formazione inedita composta da: Pietro, Elda, Riccardo e, ovviamente, io.

Film scelto (turno di Pietro): Requiem for a dream.

Cast interessante, non solo per la presenza della Connely, che recita molto bene durante tutto il film; trovo che tutti gli attori abbiano saputo rendere al meglio la forte emotività richiesta da una pellicola del genere.

Il film è una denuncia sulla droga, ma rispetto ad altri lungometraggi che affrontano argomentazioni simili riesce a non cadere troppo nel retorico e, soprattutto, a non risultare monotematico; la pellicola tratta infatti anche l’eccessiva invasività della televisione, la pericolosità di una medicina troppo accondiscendente e il problema dell’alienazione da tutto e tutti.

La vicenda narra di Harry, del suo amico Tyrone, della sua fidanzata Marion, di sua madre Sara e di come degenera il loro rapporto con vari tipi di droghe fino a una tragica conclusione.

La sceneggiatura è tutto sommato ben fatta, l’escalation d’eventi è piuttosto classica, ma resta coerente e riesce a creare dei buoni personaggi. Il film viene diviso in stagioni: estate, autunno e inverno, il climax verso il freddo segue lo sviluppo dei rapporti umani tra i protagonisti, inizialmente solidi che si raffreddano sempre più col proseguo del film e la mancanza della primavera, che solitamente rappresenta la rinascita, sottolinea come i personaggi utilizzati siano senza speranza.

La particolarità del film sta nella regia: sempre alla ricerca di soluzioni nuove e interessanti per rappresentare le sensazioni provate dai protagonisti, spesso ottiene ottimi risultati e sono poche le scelte infelici; per vincere questa sfida il regista si è concentrato molto sul montaggio, riuscendo a creare e a distruggere le barriere che si instaurano tra i vari personaggi e a sincronizzare gli alti e i bassi delle singole sottotrame.

Il film è molto forte come contenuti e punta dritto al cuore dello spettatore, questa è un’altra vittoria per la produzione che riesce a toccare le corde giuste e a spingere al limite la nostra sensibilità.

Una nota di merito va alla musica: nonostante sia poco varia (per scelta) riesce a restare impressa e ad accompagnare le immagini con un tema che verrà riutilizzato da un gran numero di pubblicitari e non per progetti di svariati generi.

Continuando il gioco dei voti: io metterei questo bel film nella fascia che va dal 7 e all’8; sbilanciandomi a favore dell’8 riconoscendo i meriti delle scelte sperimentali effettuate del regista.

Rock 'n' roll!

La Dahlia Nera

2008-03-13T21:05:00.025+01:00

Brian De Palma torna dietro la cinepresa per dirigere Scarlett Johansson, Hilary Swank e Josh Harnett in un noir che ha tutte le carte in regola per restare a lungo nella mente degli spettatori.

Il film inizia presentando i personaggi e delineandone le caratteristiche; noi seguiamo la vicenda dal punto di vista di Dwight "Bucky" Bleichert, ex pugile diventato poliziotto. La pellicola prosegue narrando i successi del nostro protagonista (al lavoro insieme a un altro ex campione di pugilato), i triangoli amorosi in cui inevitabilmente finirà e l'indagine sulla morte della dalia nera, una giovane aspirante attrice, che coinvolgerà gran parte delle sue conoscenze.

La sceneggiatura è criptica, narra con disinvoltura situazioni complicate (e non sempre spiegate appieno), è importante non perdersi i particolari e non far confusione coi nomi e la storia dei personaggi secondari. Il film è stato molto criticato per questa caratteristica, rivedendolo più volte si può apprezzare che quasi tutto si incastra e la trama funziona bene, anche se alcune forzature rimangono evidenti insieme a qualche decisione incomprensibile dei protagonisti (il ritrovamento dei soldi sotto la mattonella rotta su tutte). Tutto sommato mi sento di promuovere questa sceneggiatura, nonostante dimostri di non essere esente da difetti.

Gli attori tutto sommato reggono bene le parti, qualche problema per il povero Josh nelle parti drammatiche e della Scarlett che tende ad appiattire anche i momenti più emotivi. Non ritengo la scelta della Swank tra le più felici del casting ma forse va a gusti... Va detto che immaginare la somiglianza tra la protagonista di Million Dollar Baby e la dalia nera rovina un po' l'esperienza, le due non si somigliano per niente (tutto a vantaggio della giovane dalia).

L'apparato tecnico è soddisfacente, buona la ricostruzione della città e ben resa l'atmosfera retrò.

E adesso si arriva al piatto forte di questa pellicola: la regia.
Brian De Palma non ha problemi ha seguire la sceneggiatura e riesce a regalarci delle scene memorabili, in particolare sono da segnalare l'ingresso con cena di Hartnett nella casa della ricca Swank (con i continui passaggi in soggettiva davvero ben fatti) e soprattutto il lungo piano sequenza da cui apprendiamo la morte della dalia, vero punto di svolta del film, che, oltre a mostrarci le due facce della città e a rappresentare i momenti chiave di tutte le sotto trame, ricorda molto quello storico utilizzato da Orson Welles ne L'infernale Quinlan.

Sempre a voler giocare con i voti... Il film mi è piaciuto molto, nonostante qualche difetto i punti di forza prevalgono, quindi, apprezzando anche lo sfondo storico utilizzato, mi sento di dare un 8 pieno.

E anche per stavolta è tutto. ^^

CRS'08

2008-03-13T13:30:00.015+01:00

Oggi è iniziata ufficialemte la Cage Regular Season 2008!

Dopo una mezzoretta di giocata libera i crampi affliggono il giovane del Cage Team, quindi pausa foto e poi di nuovo in campo per un 1vs1 a basket. Non è mancata la pausa maglia. 75 minuti intensi per questo esordio anticipato, per dettagli e foto rimando al blog ufficiale del Cage Team.

Evolution?!?!

2008-03-13T00:44:00.019+01:00

Primo appunto videludico per questo blog: Atlantis Evolution, quarto capitolo della fortunata (?) serie della Cryo Interactive, sviluppato stavolta dalla Adventure Company. Il cambio di gestione è stato indolore? Sarà riuscito a colmare le lacune "storiche" che affliggevano le avventure della Cryo? Scopriamolo.

In origine c'è stato Atlantis the lost tales, un'avventura con ottima grafica, solito finto 3D, una storia piuttosto avvincente, ma dannatamente frustrante. Non difficilissimo ma troppo legato alla soluzione, senza di essa era impossibile trovare la voglia di finirlo... A 10 anni di distanza ho ancora per la testa la frase del game over. All'epoca giocavo volentieri ai Dragon Lore e stare con la Cryo mi rassicurava (beata ingenuità!).

Poco tempo dopo uscì Beyond Atlantis (Atlantis 2 da noi), gioco che mi ha subito rapito, ma di una difficoltà esagerata. Meno frustrante del precedente ma complicato come struttura, con ambientazione molto varie e una resa grafica ottima.

Nel 2001 esce il gioco meglio equilibrato della saga: Beyond Atlantis 2 (da noi Atlantis 3). Scenari variegati, buona giocabilità (anche se, purtroppo, senza grandi miglioramenti) e un tocco di epicità nella narrazione.

Arriviamo al 2004. Atlantis Evolution, la saga non è tra le meglio riuscite, i precedenti capitoli erano giochi carini, niente di sconvolgente (della Lucasarts parlerò a breve) ma sembre godibile in ogni sua incarnazione.

Trama: come da consuetudine l'ambientazione si discosta molto dalle scorse avventure, la cosa va anche bene. Buono il finale che ci evita una banalità e una linearità nello sviluppo imbarazzanti.

Atmosfera: il pregio di questo gioco è saper rendere affascinante questo strano mondo. Grafica ancora in "finto" 3D, fondali molto colorati e dettagliati. A dispetto delle precedenti esperienze in questo capitolo troviamo meno stravolgimenti di scenari, caratteristica che rischia di rendere ripetitiva l'intera avventura.

Gameplay: Il più grande difetto del prodotto. Per nulla svecchiato, rimasto indietro di qualche anno, le meccaniche non vengono stravolte, i designer ci consentono di interagire solo superficialmente con i fondali e solo con un numero limitatissimo di oggetti. A peggiorare il quadro ci sono gli enigmi: facili e quasi inesistenti, per aumentarne il numero sono inseriti molti mini giochi semplicissimi, scelta spesso infelice.

Tutto questo condito da una longevità a mio parere piuttosto scarsa.

In conclusione non credo che il gioco sia tutto da buttare, rilassa, la storia si lascia raccontare da sola senza richiedere molto impegno al giocatore e i colori e l'oppressione sono resi piuttosto bene (in ogni caso niente a che vedere con le grandi produzioni attuali). Il gioco lo consiglio quindi agli amanti della saga e a pochi altri, tutti amanti delle avventure grafiche "all'antica".

A voler dare un voto tengo conto che non mi ha praticamente mai annoiato, soddisfando la mia voglia di adventure. Un voto oggettivo oscillerebbe tra il 5 e il 7 a seconda del giocatore, personalmente ritengo che il 6 sia comunque meritato e, da amante della saga, potrei sbilanciarmi in un 6,5 considerando validi i mezzi voti.

Dalla Cryo è tutto. La prossima volta si parlerà di Lucasarts e Threepwood. ^^

Burton VS Musical

2008-03-07T01:08:00.010+01:00

Nessuna occasione migliore per inaugurare il blog, è uscito Sweeney Todd! L'ultimo capolavoro di Tim Burton con quell'attore bravino che è Johnny Depp ad interpretare Benjamin Barker. L'accoppiata è abbastanza intrigante da farmi superare uno scoglio personale: l'odio per i musical. In questo tentativo di analisi, fatto in parte grazie ad alcune osservazioni di Pietro, ovviamente ci saranno spoiler. Guai a chi se la prende per questo.

Il film si presenta bene: il nostro barbiere è a bordo di una nave, pronto a rientrare nell'amata/odiata Londra, e fa subito conoscenza con il ragazzo che, grazie al suo amore, si rivelerà essere di fondamentale importanza nel proseguo della vicenda; il tutto è accompagnato da una canzone piuttosto orecchiabile, ben recitata, che ci racconta in che ambiente stanno arrivando i protagonisti. La musica viene seguita da un'attenta regia che mette in mostra le belle scenografie e la Londra malata in cui la vicenda si svilupperà. Questa introduzione si conclude con Johnny e il ragazzo che si lasciano dopo il triste racconto del passato londinese del barbiere. Ottimo prologo. La paura da musical sta svanendo e un primo sorriso di soddisfazione smuove le labbra.

La storia comincia a ingranare. Sweeney torna nelle sue vie e, nonostante i molti cambiamenti, ritrova il giudice Turpin, causa della miseria del nostro eroe, a spadroneggiare con arroganza tra i vicoli malsani della città. La sceneggiatura si dedica quindi al racconto di come Benjamin trami la sua personale vendetta contro il giudice, ma non prima di aver recuperato la figlia diventata la protetta di Turpin. In parallelo a questa vicenda ci viene narrato come Jamie (il ragazzo incontrato a inizio film) si innamori di Johanna (la figlia di Todd). Questa doppia storia è ben seguita da un'attenta sceneggiatura che dedica il giusto tempo a entrambe le vicende, senza mai perderne di vista una, intrecciandole e facendo parteggiare lo spettatore per entrambi i protagonisti. La regia invece si perde un po' quando parla di Jamie. Purtroppo le canzoni eccessivamente lunghe e ripetitive si fanno pesare: Jayne Wisener non è Johnny Depp. La regia non riesce ad accompagnare nel modo migliore le parti cantate e il risultato stona un po' con il resto del film. Questo problema ci porta dunque alla seconda parte, in cui "fortunatamente" questo difetto viene meno. Sì, le virgolette ci sono perchè in questo secondo tempo (da quando Sweeney e l'amante mettono in atto il diabolico piano) perdiamo quasi completamente di vista il povero Jamie e la sua storia d'amore, ormai sempre più usata come strumento, tanto da non interessare neppure più nel finale. Per questo o Burton ha dedicato troppo spazio alla vicenda nella prima parte o ne ha dedicato troppo poco nella seconda. Il forte stacco ha messo quindi in evidenza il precario equilibrio della sceneggiatura, anche se così facendo ci ha evitato le canzoni di Jamie per il resto del film, risultato pregevole.

A questo punto la vicenda entra nel vivo. La cattiveria di Todd e di Mrs. Lovett (interpretata di una Helena Bonham Carter in gran forma) raggiunge il suo apice. Il successo di entrambi è macchiato solo dall'insistenza di una pazza che cerca di danneggiare il locale dei due crudeli amanti (cominciando a creare delle aspettative per il finale). E' uno spettacolo veder schizzare litri di sangue vistosamente finto. Le canzoni non sono più un peso, daltronde non lo sono mai state quando interpretate da Depp, e la visionarietà di Burton raggiunge uno picchi più elevati dell'intero film (insieme alla parte iniziale).

Il finale personalmente mi è sembrato invece un po' sbrigativo e mai spiazzante, ogni colpo di scena l'ho trovato piuttosto chiamato, in ogni caso risolve tutte le trame principali ad eccezione della storia d'amore tra Jamie e Johanna, unici sopravvissuti al massacro di quell'ultima notte.

Complessivamente è stato un film più che discreto. Qualche problema con delle canzoni, soprattutto quelle che soffrivano della mancanza della straordinaria partecipazione di Johnny Depp, una sceneggiatura che si sbilancia un po' nella seconda parte e qualche buco di sceneggiatura tappato con troppa fretta da singole frasi o da un montaggio fin troppo furbo; intendo soprattutto il fatto che nessuno dica niente che dall'unica porta del barbiere i clienti entrino solo e non ne escano mai (considerato che davanti all'ingresso c'è un locale pieno di gente, pare strano che nessuna sospetti nulla e dire che si selezionano le vittime non basta a giustificare la distrazione dei clienti) e delle macchie di sangue fatte sparire da una scena all'altra sfruttando gli stacchi in fase di montaggio, creando quindi un ellissi nel tempo filmico e lasciando solo immaginare allo spettatore che lui possa aver pulito tutto in quegli imprecisati istanti di vuoto, anche in questo caso la preoccupazione della signora Lovett dopo la prima uccisione non è sufficiente a giustificarne appieno la risoluzione.

A voler dare un voto il film si assesta sul 7 abbondante. A giocare con i mezzi voti darei anche un 7,5, non di più perchè nonostante l'ambientazione sia fatta con molta cura e l'atmosfera sia resa perfettamente non è riuscito a farmi passare l'odio per i musical: in certi passaggi le parte musicate si sono rivelate un peso non indifferente, anche a colpa dei sottotitoli, sempre scomodi da leggere durante la visione del film (questa è colpa mia che non so abbastanza bene l'inglese, in lingua originale questo difetto era ovviamente assente).

That's all folks!